Criticando - Recensioni dal mondo dello spettacolo

ITIS Galileo

2012-01-15T12:41:00.005+01:00

Teatro pieno per la seconda serata di “ITIS Galileo”, lo spettacolo di Marco Paolini che porta al Fraschini la vita del più famoso ‘fiorentino nato a Pisa’ che rivoluzionò – è proprio il caso di dirlo – il modo di vedere il mondo.
Non, però, un Galileo aulico e altisonante, visto attraverso il filtro del nozionismo e dell’interpretazione filosofica in senso stretto, ma un Galileo da ‘istituto tecnico’ con tutta l’ammirazione che a questa etichetta può essere attribuita versus la denigrazione tipica di una più comune e radicata opposizione tra arti del quadrivio e materie del trivio che trae origine col nascita delle istituzioni scolastiche antiche.

Uno spettacolo che, dopo un minuto di rivoluzione, si apre con l’analisi di un’immagine, l’illustrazione introduttiva del “Dialogo sopra i due massimi sistemi del mondo”, testo per il quale Galileo verrà processato dalla Santa Inquisizione. Subito il pubblico viene coinvolto e reso protagonista in un gioco didattico–istruttivo che l’attore sa guidare con maestria e agilità.
Su un palco animato semplicemente da un pendolo-bomba-sistema solare manovrato da un gioco di argani, Paolini racconta le tappe fondamentali della vita di Galileo dalla giovinezza alla vecchiaia, passando dal trasferimento a Padova, dall’invenzione del cannocchiale e dai viaggi a Roma fino al ritorno in Toscana.
Per farlo mescola gli ingredienti che rendono così coinvolgente e avvincente il suo teatro di narrazione: passione, che usa per delineare il ritratto di un uomo geniale eppure fragile e non privo di difetti; presenza scenica forte, in grado di catturare l’attenzione del pubblico senza cedimenti; abile gioco di riferimenti attuali che non risultano mai pesanti o gratuiti; scioltezza recitativa e linguistica che gli permettono di mescolare differenti dialetti e parlate nella ricostruzione di fatti ed episodi storici.
Tra le righe di questa rappresentazione e nel finale scenografico l’invito, traendo spunto dal racconto delle gesta e del percorso di Galileo, a non accettare gli schemi imposti dal tempo e dalla consuetudine, ma ad avere il coraggio di operare una rivoluzione.

VOTO: /5

Sherlock Holmes. Gioco di ombre

2012-01-08T16:38:00.006+01:00

Dinamicità, brio, azione, ambientazione grigia e a tratti cupa ritornano per questo secondo episodio di “Sherlock Holmes. Gioco di ombre” a fare da sfondo alla sfida tra il famoso detective londinese e Moriarty (Jared Harris), suo nemico giurato, intenzionato a far scoppiare una guerra mondiale per far fruttare i suoi investimenti.

Guidato dalla regia di Guy Ritchie, ritroviamo uno spumeggiante Robert Downey Jr alle prese con nuovi e sorprendenti travestimenti da trasformista e i consueti esperimenti scientifici. Una serie di attentati colpisce l’Europa e Sherlock Holmes dovrà mettere a frutto tutte le sue qualità logico deduttive, ma non solo, per smascherare i piani del malvagio professore e sventare la tragedia. Riuscirà in tutto questo a tenere fuori dai guai il fidato Watson (Jude Law), prossimo alle nozze con la paziente Mary (Mary Morstan), oppure lo trascinerà nuovamente in esplosive avventure?
Ad arricchire la squadra in questo sequel Sim (Noomi Rapace), la ribelle gitana, e soprattutto Mycroft, il meno famoso fratello Holmes, interpretato da un poliedrico e ironico Stephen Fry che dà vita a un divertente e spiazzante diplomatico il quale riesce ad aggiungere un tocco di novità e brio ad un meccanismo bel oliato.
In una scelta di continuità col primo episodio, lo stile narrativo è mantenuto attraverso l’uso dello slow motion e del flashforward, ad accompagnare i rocamboleschi scontri. Ampliato nelle location, talvolta molto suggestive, questo secondo film tiene testa al precedente e riconferma – nell’equilibrio tra i differenti elementi – un giudizio più che positivo.

VOTO:/5

Midnight in Paris

2011-12-20T21:00:00.005+01:00

Parigi nel titolo a preannunciarlo. Parigi di notte, Parigi di giorno, Parigi dei boulevard, Parigi dei bistrot, Parigi dei monumenti, Parigi dei mercatini dell’antiquariato, Parigi della cultura, Parigi dello svago, Parigi sotto la pioggia.

Cornice, sfondo, protagonista, motore dell’azione, Parigi è accarezzata dalle riprese e dalla regia di Woody Allen che, quando ama una città, la corteggia, la elogia e la presenta in maniera poetica tanto che è impossibile non innamorarsene cinematograficamente nella stessa maniera.
“Midnight in Paris” racconta la storia di Gil (Owen Wilson), aspirante romanziere, che lascia Hollywood e il suo lavoro di sceneggiatore per accompagnare la fidanzata Inez e la sua famiglia in un viaggio nella capitale francese. Qui rimane stregato dalle atmosfere e dagli ambienti che rimandano ai gloriosi tempi passati e, novello “Cenerentolo”, viene catapultato negli anni Venti dove conoscerà i suoi idoli letterari e i grandi esponenti della vita artistica parigina.
Ironia confinante col sarcasmo, riferimenti colti presentati con leggerezza, humour misto a un pizzico di irriverenza - lo “stile Allen” - per trattare il tema dell’insoddisfazione verso i propri tempi e il desiderio di rifugiarsi in un passato attraente proprio perché trascorso, affascinante perché idealizzato. La continua ricerca di qualcosa di diverso e di stimolante per trovare nuove occasioni, nuovi inizi, ma infine la consapevolezza che, nonostante tutto, non si può scappare da sé stessi perché “l’artista non è chi fugge, ma chi, con la sua opera, cerca di dare senso e speranza di fronte all’insensatezza dell’esistenza”.
Una realtà che trascenda la sola vita artistica per riversarsi sull’esistenza umana, sulle sue debolezze e sulle paure uguali in tutte le epoche.

VOTO:/5

Per non morire di mafia

2011-11-29T20:52:00.004+01:00

Appassionante, coinvolgente, sentito il primo spettacolo della stagione "Altri Percorsi" del Teatro Fraschini di Pavia. "Per non morire di mafia" la trasposizione teatrale del libro-autobiografia che racconta l'esperienza di Pietro Grasso giovane magistrato nominato giudice a latere del maxiprocesso di Palermo del 10 febbraio 1986 contro "cosa nostra".

Sebastiano Lo Monaco, con la regia di Alessio Pizzech, porta in scena la vita di uomo coraggioso che ha deciso di impegnare la sua esistenza per combattere la mafia e che, così facendo, ha messo a rischio sè stesso e la sua famiglia, ipotecando la propria libertà per il raggiungimento di un più alto scopo: difendere la libertà di tutti. Ne nasce il ritratto di un uomo scrupoloso, capace di rapporti profondi - come quelli instaurati con Giovanni Falcone e Paolo Borsellino con cui condividerà gli stessi obiettivi - razionale, fermo e allo stesso tempo umano nella sua ansia di marito e padre, in grado di arrabbiarsi di fronte alla crudeltà della criminalità organizzata e pronto a inseguire il suo sogno di bambino. Un messaggio forte che si fa universale: sono le grandi utopie a fare la storia. E allora anche il grido di un fanciullo che gioca può trasformarsi nel destino di una vita alimentato da una speranza: "Liberti tutti! Liberi tutti!"
Una scena essenziale dominata da una lavagna su cui vengono annotate una serie di parole chiave che ci guidano alla scoperta di un'esistenza che si mescola alla storia, una storia di cui tutti facciamo parte e in cui tutti siamo chiamati ad agire. E la lavagna si fa specchio pronto a riflettere la nostra immagine, a dirci che anche noi possiamo contribuire a contrastare questo mostro: parlandone, non facendo calare un velo di omertà e indifferenza, perchè è nel silenzio che la mafia si ossigena e rialza il capo.

VOTO: /5

Il nipote di Rameau

2011-10-26T17:02:00.006+02:00

La stagione 2011-2012 di Prosa del Teatro Fraschini si apre con l’adattamento per il palcoscenico della Conversazione di Denis Diderot. Il testo, scritto nella secondo metà del Settecento dall’illuminista francesce, viene sceneggiato e trasposto dall’attore Silvio Orlando e dallo scrittore teatrale di origine pavese Edoardo Erba.
L’atto unico presenta il filosofo Diderot (Amerigo Fontani) alle prese con il Signor Rameu (Silvio Orlando), ruffiano professionista e nipote del celebre compositore musicale Jean-Philippe Rameau. L’incontro, che avviene al Café de la Régence, mette a confronto due mondi e due visioni contrastanti: da un lato l’etico e corretto comportamento dello studioso a sostenere l’importanza della morale e dell’altruismo e dall’altro la sfrontatezza e l’arrivismo del Signor Rameu che fa delle sue doti di parassita e adulatore i punti di forza per ottenere riconoscimento sociale e denaro.

Dallo scambio interlocutorio tra i due emerge un ritratto della società tutt’altro che roseo, incarnato da un Silvio Orlando dall’abilissima capacità dialettica che dà vita ad un personaggio consapevole, ma disincantato il quale professa la supremazia dei piaceri materiali e il potere della meschina adulazione.
Con una strizzata d'occhio all'attualità, in un ambiente corruttibile in cui spesso gli onesti hanno la peggio rispetto ai disonesti e paiono essere più infelici, Rameau sostiene l'arte dell'interesse personale e della furberia. Sarcastico e pungente, Rameau sbeffeggia e allo stesso inneggia ai (dis)valori che esso stesso impersona e che permeano la società dell'epoca.
In questo gioco oratorio di mirabile qualità non ci sono vinti o vincitori, ma "solo" tanti spunti di riflessione che spingono lo spettatore ad interrogarsi.

VOTO: /5

Kung Fu Panda 2

2011-08-28T11:19:00.009+02:00

A tre anni dall’uscita del primo capitolo delle avventure di Po arriva sugli schermi estivi “Kung Fu Panda 2”. Esemplare - piuttosto raro - di sequel che eguaglia e forse supera il precedente cinematografico, racconta le vicende del Guerriero Dragone e dei Cinque Cicloni alle prese con un nuovo nemico da fronteggiare, Shen, pavone di stirpe reale che ha l’intenzione di estinguere il Kung Fu sfruttando la polvere pirica e dando vita a “mostri” di metallo che sputano fuoco. Sul suo destino, però, come aveva predetto la veggente di palazzo, pesa la minaccia di un eroe bianco e nero venuto per sconfiggerlo. Deciso a non avere ostacoli sulla sua strada, Shen compirà una strage, ma così facendo non farà altro che stringere ancor di più attorno a sé le maglie della sorte. In questo secondo episodio ritroviamo il solito Po buffo e a tratti impacciato intento a difendere la valle dalla minacce esterne, quando verrà a conoscenza di questa nuova sfida: salvare la Cina da Shen e riaffermare il potere del kung fu. Parallelamente a questo compito il nostro panda dovrà, però, venire a capo di un’altra e altrettanto importante missione: scoprire le proprie origini e trovare l’equilibrio interiore. Rispetto al precedente, la trama si fa più strutturata; maggiore l’approfondimento psicologico dei protagonisti e anche meglio delineate le figure dei comprimari – si vedano ad esempio i Cinque Cicloni - che vengono ad assumere un ruolo più consistente dando maggior risalto al valore della squadra.
Il racconto si dipana in linee raffinate, il disegno – sia quello bidimensionale che il tridimensionale – ci accompagna in atmosfere magiche ed eleganti. I combattimenti si fanno più serrati e complessi fino ad assumere le caratteristiche della danza, le ambientazioni diventano più suggestive e varie a ricostruire i sapori e i colori della Cina antica.
Non mancano le battute e le sequenze divertenti, una tra tutte la fuga nel serpentone la cui ripresa dall’alto strizza l’occhio ad alcuni dei primi ed amati videogiochi elettronici.
Un cartoon che sicuramente piacerà ad adulti e bambini e che riconferma la Dreamworks ai vertici di un cinema d’animazione, capace di rinnovarsi e di migliorarsi ogni volta.

VOTO: /5

RED

2011-05-16T20:38:00.006+02:00

Gli amanti delle sparatorie spettacolari e delle esplosioni coreografiche non rimarranno delusi di fronte a RED, l’action movie diretto da Robert Schwentke e tratto da un fumetto della DC Comics,in cui le pallottole si sprecano.

Frank Moses (Bruce Willis) è un agente della CIA in pensione che, ritrovatosi bersaglio delle nuove leve dell’agenzia di spionaggio americana, viaggia attraverso gli Stati Uniti per ricomporre la sua vecchia squadra con lo scopo di affrontare e risolvere questa nuova e inaspettata missione.
Accompagnato, all’inizio non proprio volontariamente, da Sarah (Mary Louise Parker), la sognatrice impiegata dell’ufficio pensioni del quale si è innamorato telefonicamente, Frank smetterà in un batter d’occhio i panni del tranquillo “vecchietto” per rispolverare mai dimenticate tecniche di combattimento e capacità investigative.

A dare ritmo e colore a questo film un cast selezionato in grado di ammantare di ironia e personalità la trama classica dell’action movie, attribuendo alla pellicola un valore aggiunto. Conosciamo così i Retired Extremely Dangerous: Joe Matheson (Morgan Freeman) l’informatore amante delle donne che con prontezza di riflessi riuscirà a fuggire dalla casa di riposto per aiutare i suoi amici; Marvin Boggs (John Malkovich) l’ex cavia di sostanze psicotrope che affronta il pericolo armato del suo adorato maialino e Ivan Simanov (Brian Cox) il russo ex rivale di Frank che ha perso la testa per la collega Victoria (Helen Mirren), l’elegante signora che si occupa di fare il lavoro sporco.

Attraverso una serie di cartoline e un accurato lavoro di montaggio seguiamo il dipanarsi della vicenda che porterà a scoprire le trame sottese ai giochi di potere e a seguire l’evolversi di questa buffa relazione tra Frank e Sarah, protagonisti divertenti e spiritosi di un nuovo romanzo d’appendice.

VOTO: /5

Un marito ideale

2011-03-27T20:38:00.004+02:00

Martedì 22 marzo 2011 il Teatro Fraschini di Pavia ha presentato all’interno della rassegna “Altri Percorsi” lo spettacolo “Un marito ideale”, commedia di Oscar Wilde del 1893 tradotta ed interpretata per l’occasione da Roberto Valerio che ne ha curato anche la regia.

Il testo, scelto indubbiamente anche per le sue ricadute sull’attualità politica contemporanea, mostra un affresco pungente e a tratti sarcastico della società borghese, del suo mondo di apparenze e del sottile equilibrio tra moralità, coerenza e interesse personale. Per farlo sceglie toni ironici e un po’ canzonatori – caratteristiche prevalenti nel personaggio di Lord Goring (Pietro Bontempo) – dandy sfaccendato che deve giostrarsi tra i problemi di una coppia di amici – Mr e Mrs Chiltern (Chiara Degani) - messi in crisi dalle rivelazioni della signora Cheveley (Valentina Sperlì), arrivata da Vienna per ricattare Sir Chiltern (Roberto Valerio) minacciando di stroncare la sua brillante carriera politica.
Può una grave scorrettezza commessa in gioventù e da cui è dipeso tutto il proprio successo essere considerata solo come un banale errore imputabile all’imprudenza ed all’inesperienza ed essere pertanto celata a favore di una nuova e più consapevole maturità raggiunta con gli anni? Può la verità essere taciuta? Oppure la coerenza esige il coraggio di andare fino in fondo ammettendo i propri sbagli? Può il linguaggio dei princìpi essere solo bianco o nero oppure sono ammesse sfumature?
Interrogativi che sorgono spontanei di fronte alle vicende narrate e che dall’ambito della vita pubblica sfumano verso quella privata, intrecciando sentimenti e carriera, aspettative muliebri e scomode realtà per culminare nel dubbio relativo alla vera esistenza del marito ideale che dà il titolo alle piece. Sbaglia la moglie nella sua intransigenza? Si devono perdonare gli inciampi del passato? In ogni caso o solo se chi li ha commessi promette di non ricadervi più? Si debbono espiare le proprie colpe? E’ giusto a volte accantonare i propri ideali per il bene dell’altro? Il marito è cambiato veramente?
Non tutte queste domande trovano una risposta chiara, alcuni quesiti rimangono aperti … al pubblico il compito di dare la propria interpretazione.
Dinamico e fluido, anche grazie all’originale scelta di presentare la storia in flashback con un effetto rewind, lo spettacolo fa scorrere vivacemente le quasi due ore di rappresentazione offrendo molti spunti di riflessione.

VOTO: /5

Accidenti, che ospitalità!

2011-03-17T13:52:00.004+01:00

Poltroncine di legno scricchiolanti, sedie e sgabelli distribuiti qua e là, un telo semitrasparente calato dal soffitto e ondeggiante nel buio a coprire un palco che ospita strumenti musicali … così si presenta Spazio Musica a restituire un’atmosfera un po’ retrò per la proiezione del film “Accidenti, che ospitalità!” (1923) di Buster Keaton.

Un tuffo nel cinema del passato, l’appuntamento con una delle proiezioni del ciclo “Cinestesia”, la rassegna che prosegue con successo ormai da diversi anni e che porta in scena alcuni dei capolavori del muto accompagnati dal vivo dalle note del Collettivo bluEsForCE.
Quest’anno le proiezioni sono dedicate al confronto tra due maestri della comicità: Charlie Chaplin e Buster Keaton.
In questa sua seconda pellicola, Keaton racconta la storia di Will McKay che, innamoratosi di Virginia durante il viaggio di ritorno verso il suo paese natale, dovrà vedersela con la famiglia di lei, decisa ad ucciderlo in nome di una pregressa e duratura faida tra le due famiglie. Questo intento non sarà, però, così facile da realizzare visto che, per le regole della buona ospitalità, padre e fratelli di Virginia non possono fargli del male fino a che Will si trova sotto il loro tetto.
Gag divertenti, guidate da una comicità delicata, per questo film che vede Keaton come regista e attore. Degna di nota la lunga sequenza dedicata al viaggio in treno, ricostruzione di uno dei primitivi esemplari di tratta ferroviaria delle origini e spunto per numerosi buffi episodi.
Il vivace accompagnamento che vede i musicisti improvvisare sulle immagini, costituendo la colonna sonora in campo e fuori campo, aggiunge fascino e verve al film, esaltandone l’ironia e la qualità.

Un’esperienza decisamente da consigliare per rivivere in un ambiente raccolto il gusto del cinema delle origini.

VOTO: /5

Mamma Mia! (il musical)

2011-03-06T13:59:00.007+01:00

Ammettiamolo, forse memori del celebre film e delle indimenticabili canzoni degli ABBA, si varca la soglia del Teatro Nazionale col timore di rimanere un po’ delusi di fronte alla trasposizione italiana del musical che, con una punta di scetticismo, si teme non riesca ad essere all’altezza dei testi in lingua originale che costituiscono la colonna sonora portante dello spettacolo. Bastano, però, pochi minuti per ricredersi completamente e scoprire che “Mamma Mia!” è perfettamente in grado di reggere il confronto.

Avvertendo simpaticamente il pubblico più “sensibile” che si farà largo uso di zeppe e tutine in lycra, lo spettacolo, introdotto da un piacevole medley e da un suggestivo gioco di luci che accompagnerà tutte le scene, ci immerge nella storia di Sophie, ventenne alla vigilia delle nozze alla ricerca di un padre tra tre possibili candidati ex fiamme di Donna, la sua intraprendente e anticonformista mamma.
Ambientata in un’isola greca - ricostruita con una scenografia semplice, ma funzionale, capace di trasformarsi rapidamente in struttura alberghiera, bar, patio, spiaggia, chiesa in un susseguirsi di interni ed esterni – la vicenda amalgama un cast affiatato e coinvolgente che comprende un divertente e strampalato duo di “zie”, baldi e aitanti giovanotti e un tris di quasi-padri che si dividono tra nostalgici momenti di immaturità e desiderio di assumersi le proprie responsabilità.
Voci pulite e potenti interpretano le famose note degli ABBA per l’occasione adattate in italiano con testi non banali e orecchiabili. Una recitazione ironica ed espressiva ben si amalgama con le coreografie vivaci e ben eseguite.
Il risultato è un musical molto gradevole che fa scorrere in un soffio le circa due ore e mezza di spettacolo, riuscendo a trascinare il pubblico con il suo ritmo in un movimentato numero finale.

VOTO: /5

Amore e altri rimedi

2011-02-23T21:40:00.006+01:00

“Amore e altri rimedi” - sicuramente più felice, per via dell’ambivalenza semantica, nella sua versione inglese “Love anda Other Drugs” – introduce nel già sperimentato filone hollywoodiano della storia romantica tra un protagonista sano e una dolce metà affetta da una malattia, il più delle volte incurabile, la caustica descrizione del mondo dei colossi farmaceutici.
Per farlo sceglie i volti di Jake Gyllenhaal e Anne Hathaway. Il primo interpreta Jamie Randall, farfallone impenitente, che mette a frutto le sue doti di seduttore per diventare l’informatore scientifico più “produttivo” degli Stati Uniti, senza fare i conti però con Maggie Murdock, disinibita artista e creativa, che convive col il morbo di Parkinson al primo stadio e che lo costringerà a rivedere le sue prospettive.
Un approccio meno lacrimevole e più disinvolto (diverse le scene di sesso) per trattare un tema delicato o, meglio, per sfiorarlo con garbo, visto che la scelta è quella di narrare le fase iniziale del morbo e della storia d’amore, affidando il decorso più avanzato ai brevi interventi delle comparse durante il congresso sul Parkinson e al racconto dei parenti degli affetti dal morbo (forse qui il punto più sincero e toccante).
Sullo sfondo il cinismo delle aziende del farmaco presentate - in un intrecciarsi di congressi pirotecnici, distribuzione di gadget e meeting formativi degni dei migliori party mondani - come schiave del fatturato e del guadagno.
Perfetta nella parte Anne Hathway che, con la sua bellezza e il suo fascino, è probabilmente il vero valore aggiunto di questo film che, unendo ironia e sarcasmo, non riesce però – forse per qualche mancanza nel tessuto narrativo e nella descrizione psicologica – a farci affezionare ai personaggi e a farci entrare fino in fondo in sintonia con loro, come ci si aspetterebbe da un film di questo genere.
Nel complesso questa “commedia” di Edward Zwick risulta in ogni caso un film piacevole, capace di fornire spunti di riflessione, non tralasciando di farci sorridere.

VOTO: /3

Roman e il suo cucciolo

2011-02-12T15:49:00.006+01:00

Forte, crudo, potente: così si è presentato lo spettacolo “Roman e il suo cucciolo” in scena al teatro Fraschini dal 8 al 10 febbraio per la sezione prosa.

Protagonista un Alessandro Gassman perfettamente calato nella parte di Roman, un rumeno emigrato da ragazzino con la madre in Italia per sfuggire al regime di Ceausescu e diventato spacciatore per sopravvivere e per mantenere il figlio. Il suo Cucciolo, cresciuto tra pusher e protettori, ma tuttavia con l’inclinazione alla scrittura. Un giovane non italiano, ma nemmeno rumeno che si sente lontano dalle proprie origini e allo stesso tempo non integrato nella società in cui è nato. Un ragazzo il cui padre vorrebbe tenerlo lontano dall’uso delle sostanze grazie alle quali si mantengono, sperando per lui un futuro migliore. Un Cucciolo, però, indifeso e solo. Alessandro Gassman dà vita ad un padre irruente, un uomo che sbaglia, che prevarica a volte, ma che a suo modo vuole bene al figlio e che non riuscirà a sopportare il proprio fallimento più grande.
Una compagnia di attori (oltre a Gassman, Manrico Giammarota, Sergio Meogrossi, Giovanni Anzaldo, Matteo Taranto, Natalia Lungu, Andrea Paolotti) che - attraverso una recitazione urlata, a tratti violenta, ma non per questo poco curata - restituisce con lucido realismo tutto lo squallore, il disagio e il dolore dell’ambiente della droga e della prostituzione che schiaccia e travolge ogni barlume di evasione e di speranza.
Ad amalgamare il tutto una suggestiva scenografia (firmata da Gianluca Amodio) che, con gusto cinematografico fatto di stacchi, primi piani, sequenza in sovraimpressione e note sonore di accompagnamento, crea un’ambientazione altrettanto bruta e scrostata sullo sfondo della quale si svolgono le vicende. Un’atmosfera che trascina a forza lo spettatore nel mezzo della scena, che lo coinvolge emotivamente, che non gli permette di rimare al margine.

Uno spettacolo decisamente degno di nota che non può lasciare indifferenti.

VOTO:/5

Immaturi

2011-02-11T19:21:00.005+01:00

Come la prendereste se vent’anni dopo il vostro esame di maturità riceveste una raccomandata dal Ministero che vi avvisa che, per un’irregolarità, tutto è da rifare? Proprio questo quello che capita ad una classe di ex liceali romani - già ben avviati nel mondo del lavoro, se forse non nella vita “adulta” - i quali ben altro hanno per la testa che libri, temi e versioni di greco. E questo il pretesto per raccontare non tanto il rinnovarsi delle ansie e delle paure legate al tanto temuto esame di stato, quanto l’incontro di un vecchio gruppo di amici. Quegli amici – per rubare le parole al Raul Bova (Giorgio) voce narrante – per i quali avresti fatto di tutto, sapendo di essere ricambiato e per i quali faresti di tutto anche dopo tanti anni, come se non fosse passato un giorno.

Un film forse un po’ nostalgico, sulla scia del programma radiofonico di Luca Bizzarri (Piero), ma che, (ri)immergendoci tra l'alternarsi di ricordi adolescenziali e il richiamo a dinamiche scolastiche fatte di liti, amori, gite e avventure, ci porta alla scoperta delle vite dei protagonisti alle prese con ben altre "prove di maturità": la paura di diventare padre, di impegnarsi in un rapporto serio, di lasciare il nido, di amare, di crescere...
Figure di eterni Peter Pan, forse un po' stereotipate, ma sicuramente attuali e presentate con garbo, ironia e humor da un cast di attori (oltre ai già citati: Ambra Angiolini, Barbara Bobulova, Anita Caprioli, Paolo Kessisoglu) che, nonostante le diverse provenienze, ben si amalgama e ben riesce a dare credibilità a questa compagnia di amici.
Tra tutti emerge per brio e stile Ricky Menphis (Lorenzo) che, anche grazie a un esilerante comprimario (Maurizio Mattioli) , riesce a portare sullo schermo un "bamboccione" di tutto rispetto tenero e divertente, ipercoccolato cocco di mamma.
Paolo Genovese mette la firma ad una commedia piacevole che, evitando tempi morti, procede con ritmo vivace e con leggerezza non si dimentica tuttavia di farci riflettere.

VOTO: /5

Un ispettore in casa Birling

2011-02-01T22:30:00.004+01:00

Le assi del palcoscenico del teatro Fraschini si tingono di giallo, ospitando dal 21 al 23 gennaio 2011 lo spettacolo “Un ispettore in casa Birling”.

Il testo scritto dall’autore inglese John Boynton Priestley racconta la storia di un party borghese, organizzato per il fidanzamento della figlia di un imprenditore, funestato dall’arrivo di un misterioso ispettore venuto ad indagare circa il suicidio di una giovane donna.
Il clima gioioso e rilassato della festa viene incrinato dalle domande pacate, ma perentorie dell’uomo interessato a scoprire il coinvolgimento dei singoli membri della famiglia.
In un impianto scenografico di sapore cinematografico, che prevede sequenze velocizzate e una colonna sonora fuori campo ad accompagnare i momenti salienti della narrazione e a sottolineare la suspense – sotto la regia di Giancarlo Sepe - quella che si presenta al pubblico non è solo una trama poliziesca, ma un vivido e pungente ritratto di una borghesia che dietro l’apparente velo di spensieratezza e correttezza morale nasconde in realtà ben altri segreti.
Paolo Ferrari dà vita ad un ispettore Goole implacabile e tenace, coscienza troppo a lungo tenuta repressa di una famiglia i cui valori si reggono pericolosamente in bilico tra apparenza, cinismo, affettazione e legami sociali.
Accompagnato da un cast affiatato - formato da Andrea Giordana, Crescenza Guarnieri, Cristina Spina, Vito Di Bella, Mario Toccafondi, Loredana Gjeci - che sa reggere sapientemente e con professionalità i ritmi degli eventi e delle rivelazioni, l’abile indagatore in un continuo gioco di colpi di scena ci conduce attraverso uno spettacolo avvincente e godibilissimo.

VOTO: /5

Megamind 3D

2011-01-04T18:35:00.013+01:00

Voli mozzafiato tra grattaceli, salvataggi di fanciulle in pericolo, l’eterna lotta tra il bene e il male che si fronteggiano sullo sfondo metropolitano sono gli elementi ripescati a piene mani dal mondo dei fumetti e dei supereroi e sapientemente rielaborati con il consueto gusto citazionistico dalla Dreamworks per il suo ultimo film d’animazione “Megamind”.
In origine fu il lancio intergalattico di due frugoletti extraterrestri appena nati, spediti nello spazio dalle rispettive famiglie per salvarli dalla distruzione imminente dei propri pianeti. L’uno bello, dotato di superpoteri e avviato ad una vita di successi; l’altro dai grandi occhioni su di un capo decisamente sovrasviluppato, molto intelligente, ma destinato a scoprire presto il sapore dell’emarginazione e dell’umiliazione. Fin dall’infanzia le strade dei due protagonisti si incrociano e si scontrano a delineare quello che sarà il loro futuro: il primo diventerà MetroMan, paladito di MetroCity, adorato dalla folla che a lui inneggia come difensore della pace contro i crimini; il secondo, fallito il tentativo di stare dalla parte dei buoni, deciderà di eccellere nella cattiveria e sarà MegaMind, l’eterno rivale della giustizia.
Fino a qui, la trama rientra nel più classico filone del genere comics dei supereroi se non fosse che Megamind – contrariamente alle aspettative di tutti, anche alle proprie – riesce a uccidere MetroMan e, dopo qualche tempo di libere scorribande, si accorge che la sua quotidianità non ha più senso privata della presenza del Bene da contrastare. Si attiva così per creare un nuovo eroe che possa tenergli testa, ma le cose non andranno come previsto e il Cattivo si scoprirà, suo malgrado, buono e capace di innamorarsi.
L’azione, accompagnata e supportata da una notevole e piacevole colonna sonora rockettara (si va dagli AC/DC ai Guns N’Roses), si avvale della tecnica del 3D in questa occasione non stucchevole o superflua.
A sostenere e a dare vivacità al racconto, la scelta di caratterizzare i personaggi ancora una volta – come da tradizione Dreamworks – all’insegna della parodia: conosciamo così un super cattivo che incespica con alcune difficoltà linguistiche, unpolitically correct e teneramente alle prese con le ansie dei primi appuntamenti e un eroe un po’ affaticato dal peso della responsabilità che vorrebbe dedicarsi alla sua passione nascosta invece che a salvare il mondo. Il tutto con strizzate d’occhio e irriverenti richiami all’attualità politica contemporanea.
Doveroso citare il pesciolino-robot Minion, l’immancabile personaggio spalla (senza di loro tanti cartoni di ultima generazione non avrebbero lo stesso appeal) capace di esaltare con verve e simpatia la figura di Megamind e di ricordare con ironia e spensieratezza il valore dell’amicizia.
"Megamind" si dimostra decisamente un altro colpo ben riuscito della Dreamworks.

VOTO: /5

Rapunzel - L'intreccio della torre

2010-12-18T18:18:00.013+01:00

Per il cartone natalizio Disney l'ispirazione nasce dalla fiaba dei fratelli Grimm Raperonzolo opportunamente rivisitata e modernizzata sotto la regia di Nathan Greno e Byron Howard.

Nasce così "Rapunzel - L'intreccio della torre": una principessa dotata di una chioma magica, ereditata grazie ad un infuso ricavato da un fiore unico nato da una goccia di sole caduta sulla terra, è in grado con il suo canto di guarire e allontanare i segni del tempo. Un elisir di eterna giovinezza indispensabile per Gothel che rapisce la bimba e la rinchiude in una torre, diventando così la sua "amorevole" matrigna. L'isolamento dorato e la pressione psicologica esercitata su Rapunzel non impediranno, però, alla giovane ragazza di inseguire il suo desiderio di scoperta e di emancipazione.

Memori dei precedenti successi Disney/Pixar, si varca la soglia del cinema chiedendosi se, anche in questa occasione, la squadra della famosa casa di animazione riuscirà ad essere all'altezza delle aspettative e si esce chiedendosi se ad autori, sceneggiatori, disegnatori, ecc. diano da mangiare - per scomodare il celebre film di Comencini - "Pane, amore e fantasia".

Pane: il cibo della tradizione e della genuinità che ritroviamo in questa pellicola che richiama i protagonisti e gli elementi delle più classiche trame Disney (la principessa da salvare, la strega cattiva che la tiene rinchiusa, la figura maschile la libera, il possente destriero, i numeri musicali ecc.), adattandoli e attualizzandoli però al gusto contemporaneo.

Amore: sentimento protagonista non solo della trama, ma che pervade ogni singolo fotogramma di questo film realizzato da una squadra affiatata che compie il proprio mestiere con perizia, estro e uno spirito sempre memore dello sguardo sognante e curioso dell'infanzia.

Fantasia: strumento indispensabile -e apparentemente inesauribile quando si parla dei capolavori Disney - che trasforma una trama classica in un concentrato di divertimento, trovate geniali e riflessione. Ecco così che la timida ed indifesa principessa si scopre una ragazza tenace e piena di risorse che approfitta dell'arrivo del "principe" (in realtà un ladruncolo mal visto da tutti) per realizzare il suo sogno. Accompagnata da un tenerissimo e simpatico camaleonte, comincia così la sua avventura verso l'affrancamento dalla figura materna e la conquista della propria identità. Il tutto inframezzato da figure esilaranti come quella del cavallo reale e della gang di delinquenti della locanda e da una colonna sonora in primo piano, ma non invadente e in giusto equilibrio con la parte recitata.

Di altissima qualità tecnica la resa delle ambientazioni e dei personaggi, le cui accuratissime espressioni facciali e corporee troverebbero l'approvazione dell'esperto Paul Ekman (per gli appassionati, l'ispiratore della famosa serie tv "Lie to me"). Percepiamo così i respiri e le emozioni, leggiamo gli sguardi e avvertiamo la sensazioni dei personaggi.

Notevole anche la costruzione psicologica e fisica della matrigna Gothel di ascendenze grimildiane, ma dal carattere più complesso e sfaccettato.
Sicuramente Rapunzel è un'altra perla che piacerà ad adulti e bambini.

VOTO: /5

Io quella volta lì avevo 25 anni

2010-12-11T16:06:00.004+01:00

Ancora un personaggio proveniente dal palco di Zelig per inaugurare la stagione “Altri Percorsi” del teatro Fraschini il 29 novembre 2010. Claudio Bisio arriva a Pavia con lo spettacolo “Io quella volta lì avevo 25 anni” per dare voce e corpo all’ultimo testo (incompiuto) di Giorgio Gaber e Sandro Luporini.

In scena una serie di brevi monologhi narrati attraverso gli occhi di un venticinquenne ad aprire altrettante finestre sull’Italia dal 1940 ad oggi. Il tutto accompagnato dalle musiche eseguite da Carlo Boccadoro che al centro del palco fa risuonare le note di famose canzoni, ma non solo.

Ad ogni decennio corrisponde un episodio di vita vissuta dal nostro protagonista che ci accompagna alla riscoperta di costumi, piccole manie, mentalità e desideri di un Italia in mutamento, dove il personale si intreccia con la Storia, la descrizione con la riflessione.

Claudio Bisio, con le sua abilità attoriale, recita e canta frammenti di vita mescolando ironia e sarcasmo, dolcezza e irriverenza, bonarietà e critica. In un piacevole connubio con la colonna sonora, su di un palco essenziale animato da qualche leggio e dal pianoforte centrale, le parole si dipanano e si animano accompagnate dalle immagini evocative che scorrono su uno schermo in fondo al palco.

Dalla Resistenza al boom economico, dai libertini anni Settanta ai ruggenti Ottanta fino al consumismo dei nostri giorni ripercorriamo i sentimenti, le vicissitudini e le avventure quotidiane di un giovane che diventa pian piano emblema di diverse generazioni animate da ideologie e valori differenti per giungere alla riflessione finale che apre un interrogativo sulla direzione e il senso di questo percorso di “evoluzione”.

Risultato: uno spettacolo piacevole con un Bisio che, grazie alla sua presenza scenica, sa mettere a frutto il suo talento comico al servizio delle riflessioni gaberiane.

VOTO: /5

Aria precaria

2010-10-27T21:21:00.009+02:00

Riapre all’insegna della risata la stagione di prosa del teatro Fraschini di Pavia con lo spettacolo “Aria precaria”.

Protagonisti Ale e Franz, il duo comico reso famoso dal celebre sketch della panchina sul palco di Zelig.

Tornano a calcare la scena, intrattenendo il pubblico per circa due ore con il loro inconfondibile affiatamento e il loro spirito a tratti pungente nel mettere alla berlina i luoghi comuni e le piccole manie di tutti i giorni del variegato genera umano. Così, accanto all’immancabile ed esilarante scambio di battute sulla panchina, assistiamo ad altri nove episodi che aprono il sipario su altrettanti frammenti di vita. In una scenografia essenziale ed adattabile alle diverse situazioni incontriamo così due anime in attesa di rincarnarsi, una coppia di futuri padri ansiosi, due anziani e arzilli vecchietti al bar, due amici a scambiarsi pene d’amore, due boss della malavita, gli interlocutori di un telefono amico, due neonati….

In un alternarsi di ironia mai volgare, misunderstanding linguistici e giochi di parole, lo spettacolo si sviluppa mescolando il surreale, la caricatura e la lucida analisi di momenti di precarietà umana.

Sotto la lente di Ale e Franz l’uomo appare in tutta la sua goffa e bonaria fragilità, coi suoi dubbi, i suoi tic, le sue prepotenze e i suoi sogni…perché a volte il modo più adatto per prendersi sul serio è riderci su. E con Ale e Franz l’obiettivo è pienamente raggiunto.

VOTO: /5

Shrek e vissero felici e contenti

2010-09-02T17:25:00.008+02:00

Cosa sarebbe accaduto se il verde e mostruoso orco piombato con i suoi modi rudi nel regno di Molto Molto Lontano non fosse mai nato e non avesse mai liberato la principessa Fiona dalla torre in cui era imprigionata?

Questo il dilemma che ha ispirato il team Dreamworks per il quarto capitolo della saga di Shrek, arrivato nelle sale italiane il 25 agosto.
Reso possibile dalle smanie di grandezza e dal desiderio di vendetta di Tremotino, nano redattore di contratti magici e truffaldini, e dalla crisi “esistenziale” attraversata da Shrek, questo viaggio in un mondo parallelo catapulta il nostro eroe in un'avventura lontana da pannolini, pappette e pargoli alle prese coi quali lo avevamo lasciato nell’ultimo episodio. Ritornato agli antichi splendori di spaventoso e temuto orco, Sherk si accorgerà ben presto che la riconquista della tanto agognata libertà di scapolo senza responsabilità vale un prezzo troppo alto e nasconde ben altre prospettive da quelle che si era immaginato.
In una realtà in cui nessuno più lo riconosce, nemmeno il suo fedelissimo Ciuchino, dove le streghe la fanno da padrone, cavalcando le loro scope sopra lande desolate, e gli orchi sono costretti a tramare rivolte clandestine guidati da una “braveheart” Fiona che ha abbandonato ogni illusione romantica, Shrek dovrà combattere per riguadagnare la sua vita da padre di famiglia.
Pur rimanendo sicuramente un film d’animazione molto piacevole e divertente, questo appuntamento con l’orco più famoso del grande schermo non raggiunge le vette graffianti e irriverenti dei primi due episodi, perdendo un po’ di quel cinismo e di quella spregiudicatezza che lo avevano caratterizzato e non aggiungendo nulla (se non forse per quanto riguarda la versione 3D, di cui io personalmente non sono un fan) alla maestria tecnica già ampiamente dimostrata nelle precedenti uscite.
Lungi dal non gradire questo “Shrek e vissero felici e contenti”, l’impressione che rimane è, però, quella che l’intera trama resti nel complesso leggermente sottotono, costellata, tuttavia, da momenti in cui l’antico splendore rifulge più che mai: come nella presentazione della nuova versione del Gatto “Senza” Stivali, appesantito dalla vita sedentaria, o nelle performance di un Ciuchino versione Juke bok sempre più esilarante.

VOTO: /5

Diamoci delle arie!

2010-05-01T19:36:00.004+02:00

Ritorna l'annuale appuntamento con lo spettacolo esito del laboratorio teatrale ideato e curato dall’Associazione di promozione sociale Calypso - il Teatro per il Sociale, in collaborazione con l’APS Salvo d’Acquisto, con il sostegno del Comune di Pavia.

I "ragazzi" di alcuni centri anziani di Pavia (l’Aps Salvo d’Acquisto, Città Giardino, Santo Spirito e l’Associazione Vasi di Creta di viale Sardegna) ritornano sulla scena con lo spettacolo "Diamoci delle arie" rappresentato il 1 maggio presso il Teatro Cesare Volta di piazzale Salvo d’ Acquisto nel quartiere Scala.

Giunti alla loro terza performance, questi attori possono ben permettersi di darsi delle arie...arie ricche di vitalità, arie di dedizione, arie di voglia di mettersi in gioco che si mescolano con le più tradizionali arie liriche rivisitate per l'occasione in uno spettacolo che rivisita attraverso ricordi, suggestioni e momenti di vita quotidiana le celeberrime note della Tosca, della Boheme e della Traviata.

Obiettivo ambizioso? Forse, ma pienamente raggiunto. In questa rinnovata prova di teatro sociale, gli anziani coinvolti riescono con leggerezza e passione a dare un nuovo volto alle vicende di Mimì, Violetta e Tosca. E se le storie di queste tre protagoniste non si fossero concluse tristemente come tutti le ricordiamo? Parte proprio da questa domanda il percorso laboratoriale che ha portato alla nascita di "Diamoci delle arie!".
In un impianto teatrale più maturo rispetto alle precedenti esibizioni - fatto dell'alternanza di scenari di vita reale, ricordi e ricostruzioni teatrali - gli anziani protagonisti danno prova di notevoli capacità canore, attoriali e di presenza scenica. Messo da parte l'impaccio e la timidezza della prime esperienze, mantengono inalterato il loro entusiasmo che riesce ad accendere ed emozionare il pubblico che partecipa delle vicende messe in scena e delle coinvolgenti performance.

Per un'ora veniamo trasportati dalle note, dalle voci e dai balli di questa piacevolissima compagnia teatrale che, ridendo dei propri acciacchi e dei propri clichè, sa contribuire attivamente al consolidamento del tessuto sociale che non può far altro che arricchirsi, grato, del loro bagaglio esperienziale.

Arriviamo così al termine dello spettacolo e gli attori vogliono lasciarci un ultimo e importante messaggio: "Esiste un grande eppur quotidiano mistero. Tutti gli uomini ne partecipano, ma pochissimi si fermano a rifletterci. Quasi tutti si limitano a prenderlo come viene e non se ne meravigliano affatto. Questo mistero è il tempo. Esistono calendari ed orologi per misurarlo, misure di ben poco significato, perché tutti sappiamo che, talvolta, un'unica ora ci può sembrare una eternità, e un'altra invece passa in un attimo... dipende da quel che viviamo in quest'ora. Perché il tempo è vita. E la vita dimora nel cuore. "

A loro di cuore: grazie!

VOTO: /5

Sherlock Holmes

2009-12-30T13:54:00.005+01:00

Attesissimo è arrivato sul grande schermo il 25 dicembre Sherlock Holmes, cadeau natalizio del regista Guy Ritchie.

Già i trailer ci avevano preparato ad un Holmes lontano dall'immaginario comune che - a torto o a ragione - faceva del celeberrimo investigatore londinese un composto uomo della Londra vittoriana ed è proprio ad uno Sherlock distante dall'iconografia e dai canoni della precedente tradizione cinematografica e televisiva che ci troviamo davanti in questo avvicente e frizzante film del regista britannico.
Uno straordinario Robert Downey Jr dà vita ad un protagonista che, nonostante le possibili perplessità, sono sicura non deluderà anche i più accaniti fan del personaggio nato dalla penna e dalla fantasia di Arthur Conan Doyle.
Atletico dal fisico scolpito, indolente nei periodi di ozio, leggermente prevaricatore e provocatore nei confronti del caro amico Watson (Jude Law), ironico e pungente nei riguardi del commissario Lestrade (Eddie Marsan) e perfino un po' sbruffone, questo Sherlock Holmes non abbandona, però, quella che è la sua peculiare caratteristica: un'estrema attenzione ai particolari e una spiccatissima capacità logico deduttiva. Caratteristica sottolineata, a livello registico, dalla scelta dello slow motion, quest'ultima gli tornerà utile non solo nella risoluzione dei casi, ma anche nei combattimenti clandestini ai quali si dedica nel tempo libero.
In una Londra brulicante di vita dai bassifondi ai quartieri dell'alta borghesia e sullo sfondo di un Tower Bridge in costruzione, Sherlock Holmes deve affrontare la minaccia di Lord Blackwood (Mark Strong) affiliato di una setta esoterica che intende stravolgere il corso della storia.
Tra rocambolesche imprese da action movie e intrecci amorosi che vedono coinvolta Irene Adler (Rachel McAdams), scaltra criminale in grado di mettere in scacco perfino Holmes col proprio ascendente, non perde mordente la trama poliziesca in grado di mantenere accesa la curiosità dello spettatore fino all'epilogo.
Nel complesso risulta vincente questa rivisitazione cinematografica che, grazie soprattutto ad una azzeccatissima scelta del cast, ridona verve a questa figura forse meno lontana dalle originali intezioni dell'autore letterario di quanto si possa immaginare...leggere per credere!

VOTO: /5

UP

2009-10-27T20:06:00.007+01:00

Dopo topolini dalle incredibili capacità culinarie (Ratatouille), robottini compatta rifiuti (Wall-e), superbolidi a quattro ruote (Cars) la Disney-Pixar lancia sullo schermo UP, il suo ennesimo gioiello d'animazione che porta in primo piano la terza età.

Protagonista probabilmente ancora inusuale per un cartoon, ma attualissima in un mondo (specialmente occidentale) in cui la percentuale degli anziani è in continua crescita, la Vecchiaia si presenta in tutte le sue sfaccettature.

Lontano dall'edulcorata immagine dei dolci e pacifici pensionati, Carl Fredricksen è un settantonne che,"imburberitosi" in seguito alla perdita della moglie, trascorre il suo tempo in solitudine, circondandosi del suo passato e dei ricordi-feticcio di una vita felice. Costretto a fare i conti con la speculazione edilizia e con il turbinio di una realtà che vuole destinarlo al tranquillo ritiro in una casa di riposo full-optional, Carl decide di non arrendersi e di aggrapparsi letteralmente -casa al seguito- al sogno da sempre inseguito insieme all'adorata moglie.
Non ha fatto, però, i conti con Russel simpaticissimo e maldrestro scout che, per rendersi utile e guadagnare la tanto agognata spilletta che gli permetterebbe di passare del tempo con suo padre, si ritrova compagno di avventure di questo sorprendente vecchietto.
Ed è dal meraviglioso e proficuo incontro di due generazioni che nasce un viaggio pieno di avventure verso il Sud America, sulle orme di Charles Muntz, famoso esploratore, che incarnerà un altro risvolto dell'età avanzata: l'egoismo e il desiderio di riscatto.
Tra pennuti in via di estinzione, cani dai tecnologici collari e imprevisti di origine atmosferica, Carl e Russel si inoltrano in un percorso che va ben al di là dei km e che, in un continuo scambio bilaterale, li porterà ad una solida amicizia.
In un universo in cui gran parte della generazione degli adulti iperimpegnati fa sentire la sua mancanza sia nei confronti del mondo infantile che in quello degli anziani, l'incontro tra i due protagonisti arricchisce l'esistenza di entrambi, permettendo a Carl di lasciare andare i fantasmi del passato e di riscoprire il vero valore dei sentimenti e del calore umano e al piccolo Russel di ritrovare in questo "nonno" speciale il sostegno e la saggezza dell'esperienza.
Degno di nota è l'inizio del film che racconta con grande delicatezza e garbo la storia di un grande amore che, a mio parere, può rientrare a pieno titolo tra le sequenze più romantiche e toccanti della storia del cinema.
Una piccola nota, come ormai consuetudine, va anche al piccolo capolavoro formato mignon costituito dal corto introduttivo che, nato dalla sconfinata fantasia degli sceneggiatori Pixar, racconta l'origine dei "teneri" fagottini trasportati dalle cicogne.

VOTO: /5

Coraline

2009-06-28T10:08:00.007+02:00

"Fai attenzione a quello che desideri!" Mai sottotitolo avrebbe potuto essere più azzeccato per Coraline, ultimo gioiellino dell'animazione firmato Universal che racconta la storia di una ragazzina alle prese con il trasferimento in una nuova e piuttosto spaventosa abitazione. La noia, la sensazione di essere trascurata dai genitori troppo impegnati nella stesura di un catalogo di piante e una misteriosa bambola -la cui genesi per opera di rapidissime dita affilate come cesoie è l'inquietante prologo alla vicenda- porteranno la giovane protagonista in un mondo parallelo. Qui, una volta attraversata una piccola porta presente nel soggiorno della sua casa, Coraline penserà di aver trovato la realizzazione di tutti i suoi sogni con due genitori premurosi e accondiscendenti, perfetti cloni della famiglia reale se non fosse per due bottoni al posto degli occhi. Presto, però, si accorgerà di come possa essere sottile il confine tra sogno e incubo e sarà costretta a rivedere le sue prospettive.

Accompagnata in questo viaggio, che a tutti gli effetti può dirsi di formazione, da un gatto parlante e da uno strambo centauro, Coraline incontrerà sulla sua strada pittoreschi e surreali vicini di casa che contribuiranno a donare all'atmosfera un che di magico e di pungente.
Il film, tratto da un romanzo di Neil Gaiman, è scritto e diretto da Henry Selick, già coautore e regista insieme a Tim Burton di Nightmare before Christmas. Completamente girato in stop motion, Coraline è realizzato in 3D, anche se personalmente ritengo che gli occhialini stereoscopici poco aggiungano ad un racconto che già di per sè risulta inquietante e affascinante allo stesso tempo. In questa deformazione della realtà che comincia immediatamente con la storpiatura del nome della protagonista, il brivido si mescola all'ironia e alla meraviglia per un cartoon che strega. Da non perdere in questo cinema di inizio estate.

VOTO: /5

Giro di valzer

2009-04-20T08:50:00.007+02:00

Domenica 19 aprile è andato in scena sul palco del Teatro Cesare Volta del quartiere Scala di Pavia lo spettacolo "Giro di valzer". La rappresentazione teatrale è il risultato di sei mesi di lavoro, condotto dall'associazione "Calypso-Il teatro per il sociale", che ha visto gli anziani delle APS (Associazione di Promozione Sociale) di Pavia protagonisti di un percorso laboratoriale nell'ambito del progetto "I teatri del raccontare", finanziato dalla Regione Lombardia-Famiglia e Solidarietà Sociale.

Ne è nato uno spettacolo emozionante ed evocativo imperniato sul filo dei ricordi, delle sensazioni e dei racconti legati alla musica e alla magia delle note che portano con sè il sapore di tempi passati, ma sempre vivi e attuali nei cuori dei protagonisti e non solo.

Come ricordato dai membri dell'associazione che ha guidato questo laboratorio teatrale, ancor più che il risultato finale, ciò che conta maggiormente in questo tipo di rappresentazioni è il lavoro preparatorio attraverso il quale sono nati gli spunti e le memorie all'origine della rappresentazione e grazie al quale i partecipanti si sono avvicinati a quelli che sono principi cardine del teatro sociale. Un teatro, forse ancora poco noto ai più, che sta vivendo però un sempre più rapido sviluppo anche nel territorio pavese e che fa della condivisione, della partecipazione attiva, dello stare insieme, della discussione e dell'elaborazione di nuovi e profondi legami sociali la sua forza. Una forza potente che colpisce lo spettatore e che, risentendo notevolmente anche del legame con il territorio, è in grado di generare uno spettacolo nello spettacolo scaturito dalla risposta -talvolta anche decisamente attiva- da parte della numerosa platea: dei coetanei e conoscenti dei protagonisti che rivedono sul palco un patrimonio di immagini condivise e dei più giovani che entrano in contatto con un mondo in parte nuovo e affascinante.
Ecco allora che tra le note dei loro brani preferiti e delle filastrocche della loro infanzia, gli anziani si fanno assoluti protagonisti di un mondo in bilico tra passato e presente, fatto di corteggiamenti, battibecchi, dichiarazioni d'amore, giochi e riunioni tra amici.
A permeare l'atmosfera la loro palpabile ansia da palcoscenico che si trasforma in impegno, dedizione, emozione ed entusiasmo. Un entusiasmo e una capacità comunicativa che fanno centro e che aprono uno squarcio su una potenzialità del teatro che, talvolta, viene dimenticata davanti a spettacoli, per così dire, convenzionali e che in una domenica pomeriggio in un piccolo teatro di quartiere è stato un vero piacere riscoprire.

VOTO: /5

Buon viaggio professore......

2009-03-19T18:22:00.008+01:00

In un blog che, per quanto modestamente, parla di cinema non poteva mancare un ultimo saluto a un professore che di cinema ha vissuto e che ha insegnato ai suoi studenti ad amarlo ancora di più......così ho deciso di usare le parole che chi la conosceva bene ha scelto di dedicarle con grande affetto.....buon viaggio professore.

Ho sceso, dandoti il braccio, almeno un milione di scale
e ora che non ci sei è il vuoto ad ogni gradino.
Anche così è stato breve il nostro lungo viaggio.
Il mio dura tuttora, né più mi occorrono
le coincidenze, le prenotazioni,
le trappole, gli scorni di chi crede
che la realtà sia quella che si vede.

Ho sceso milioni di scale dandoti il braccio
non già perché con quattr'occhi forse si vede di più.
Con te le ho scese perché sapevo che di noi due
le sole vere pupille, sebbene tanto offuscate,
erano le tue.

(Eugenio Montale, Ho sceso dandoti il braccio...)

India

2009-03-17T08:31:00.007+01:00

Lunedì 16 marzo è andato in scena al teatro Fraschini lo spettacolo India per la rassegna "Altri percorsi". E proprio della scoperta di altri percorsi si tratta, percorsi che fanno avventurare lo spettatore nell'appassionante mondo delle credenze e della mitologia di uno dei paesi più affascinanti dell'Oriente.Mara Baronti, attrice che da molti anni si dedica al teatro di narrazione, ci guida -sotto la regia di Alfonso Santagata- nell'esplorazione di un vasto repertorio di racconti e di miti fondativi della cultura e della religiosità indiana. Ci avviciniamo così -attraverso le storie di figure divine quali Brahma, Shiva, Vishnu, Kama, Sati e molti altri- alle leggende sulle origini del mondo, della morte, della passione e della concezione ciclica della vita. Così lontana dall'approccio lineare del mondo occidentale, questa visione del tempo, di uno scorrere e ricorrere di tutte le cose da cui nessuno e niente è escluso è più volte richiamata nel corso dello spettacolo, oltre che dalle parole, dall'immagine riccorrente delle ruota suo simbolo chiave.La voce suadente e coinvolgente della narratrice si amalgama con un apparato scenico di straordinaria ricchezza ed eterogeneità, realizzato da Beatrice Meoni. Pannelli mobili e trasformabili, sui quali vengono proiettate luci, immagini e video, vengono animati da Cristina Alioto e Patrizia Belardi che danzando, cantando e suonando, con grande perizia e raffinatezza, danno vita a quadri di grande fascino. Uno fra tutti il ballo della gonna roteante che sembrava, a tratti, sospeso in un ritmo surreale di rallentamento e accelerazione.

Per concludere con un triplo finale del quale vorrei ricordare l'ultimo aneddoto: un racconto che ci porta a riflettere su come, nonostante tutte le differenze filosofiche e religiose, l'interrogativo principe dell'uomo -qualunque sia la sua cultura- sia la ricerca incessante di un senso della vita che si ritroverà a pieno solo con il ritorno al Tutto:

Una bambola di sale aveva mille domande e dubbi e desiderava
conoscere l'oceano che le aveva dato la vita per interrogarlo
e per dare una risposta a tutte le sue perplessità.
Arrivò all'oceano carica di tutte le sue incertezze e,
non appena mise piede nell'acqua che l'aveva generata,
si sciolse e tutte le sue inquietudini sparirono;
non aveva più dubbi, nè domande...
era tornata all'Origine.

VOTO: /5

Bello di papà

2009-03-15T09:21:00.005+01:00

Un "canoa" di risate arriva al teatro Fraschini di Pavia dal 13 al 15 marzo con la commedia di Vincenzo Salemme "Bello di papà".

Cosa accade se nella vita di un ultraquarantenne, eterno fidanzato, maniaco dell'arredamento e allergico alle responsabilità, piombano uno strambo psichiatra (Giovanni Ribò) e un bambinone un po' cresciuto (Domenico Aria) in cerca di una figura genitoriale maschile di riferimento? Questo è proprio ciò che scopriremo lungo le due ore di spettacolo che vedono nei panni del protagonista, l'affermato dentista Antonio, uno strepitoso e travolgente Vincenzo Salemme. L'uomo, talmente allergico alla paternità che perfino i suoi amici allo scoprirlo PADRE credono si sia fatto prete, viene coinvolto -contro ogni sua volontà e con la complicità della compagna Marina (Yuliya Mayarchuk)- in un bislacco progetto terapeutico che lo costringerà a confrontarsi con le suo più temuto incubo. Ma per il povero dentista le cose si fanno ancora più complesse visto che, oltre alla improvvisa "nascita", dovrà frontaggiare anche le curiosità e le incursioni di una famiglia d'origine che più assortita e variopinta di così non si può: il cognato Attilio (Nicola Acunzio), la sorella (Susy Del Giudice), la madre (Adele Pandolfi). Se poi ci si mettono anche un assistente (Antonio Guerriero) un po' confusionario e una malcapitata paziente (Roberta Formilli), il divertimento è assicurato.
In una scenografia accattivante e funzionale ai cambi di scena, firmata da Alessandro Chiti, tutti i personaggi si inseriscono e si amalgamano in una compagine comica fatta di perfetta sintonia e di precisa scelta dei tempi, di giochi linguistici e battute umoristiche e di gestualità sapientemente sfruttate a sottolineare gli scambi di battute.
In un turbinio incalzante e coinvolgente Vincenzo Salemme, forte della sua napoletanità consapevolmente e non esageratamente impiegata, colpisce il pubblico che viene coinvolto materialmente nella rappresentazione e non può fare a meno di ridere di fronte alle avventure di questo eterno Peter Pan, come ce ne sono tanti.
E come in ogni commedia che si rispetti, che riesca con leggerezza e ironia a tratteggiare un fenomeno di costume senza però dimenticare di fornire un aggancio alla riflessione, alla fine -volente o nolente- il nostro Antonio farà i conti con il suo istinto paterno che, per quanto nascosto e rimosso, non potrà soffocare....perchè forse le responsabilità, una volta affrontate, non sono poi così male.

VOTO:/5

Il dubbio

2009-03-09T10:49:00.003+01:00

Ti attanagli, ti stringe il cuore nel petto, non ti fa dormire, ti lacera.......il dubbio. Quel sospetto che non lascia spazio ad altro, che travolge e stravolge le vite come una valanga non sempre giustificata, che non lascerà mai più le cose come erano prima è al centro dello spettacolo teatrale andato in scena dal 3 al 5 marzo presso il teatro Fraschini di Pavia.

Il testo nato nel 2004 dalla penna di John Patrick Shanley e vincitore del premio Pulitzer nel 2005 è stato adattato per il palco da Margaret Mazzantini per la regia di Sergio Castellitto. In una scenografia essenziale, fatta di quinte mobili che disegnano forme simboliche e di mutamenti di ambiente svelati apertamente al pubblico, si racconta la storia di Padre Flynn, (Stefano Accorsi) sacerdote cattolico attivo presso una scuola religiosa, che viene accusato di aver molestato un ragazzino di colore. Paladina di questa crociata contro il prete è Suor Aloisia (Lucilla Morlacchi), direttrice della scuola che, confermata nei suoi precedenti sospetti dalla testimonianza involontaria di Suor James (Alice Bachi), ne chiede la sospensione dall'incarico.
Lucilla Moralcchi dà vita ad un'intensa Suor Aloisia che, legata a schemi e preconcetti educativi di vecchio stampo, procede dritta sulla sua strada mostrando a volte una eccessiva severità nei confronti non solo del sacerdote, ma di tutti coloro che la circondano. Tuttavia la donna, al di là dei pregiudizi e della mentalità chiusa, sembra animata dalla sincera volontà di impedire che fatti tanto riprovevoli si verifichino ai danni di un bambino.
Stefano Accorsi interpreta un Padre Flynn che, continuando a professarsi innocente, vuole farsi esempio di un rapporto con i ragazzi legato al rispetto reciproco e alla comprensione e che, nelle sue prediche, sostiene con forza e impeto la pericolosità della calunnia e del pettegolezzo.
Da questo scontro nessuno riuscirà ad uscire indenne dal dubbio. Le certezze si incrinano, le convinzioni si offuscano e nemmeno il pubblico, altalenando tra i due opposti fronti, riuscirà a trovare una risposta definitiva a questo dilemma.
Questo spettacolo, in cui il vero e unico protagonista è appunto il dubbio con i suoi meccanismi sottili, ma inarrestabili, inevitabilmente riporta a una condizione che va ben al di là del fatto contingente e che permea l'intera esistenza umana specialmente nei periodi di crisi.

VOTO: /5

Michelina

2009-02-08T11:52:00.012+01:00

Cosa succede se la penna di un apprezzato autore teatrale pavese si incontra con l'esuberanza e la freschezza di un'attrice che è diventata compagna della sua vita? Il connubbio può dare origine a pièce teatrali come "Michelina", frizzante commedia musicale che è andata in scena dal 3 al 5 febbraio sulle tavole del teatro Fraschini di Pavia.

Nata dall'inventiva di Edoardo Erba, la storia -che vede come protagonista femminile Maria Amelia Monti- racconta la vicenda di Arturo Bonavia (Giampiero Ingrassia), cantante sentimentale, il quale trascina Michelina dal mondo delle mondine lomelline, dominato da fatiche e pulsioni elementari, alla ribalta dell'avanspettacolo di second'ordine. Durante la loro tournèe per le piazze di Gropello Cairoli, Scaldasole, Montù Beccaria, Spessa Po, Castel San Giovanni, assistiamo alla trasformazione di questa giovane e semplice, ma non sprovveduta, mondina che senza falsi moralismi e sovrastrutture si avvicina al mondo del teatro, fatto di piani e livelli di finzione e immedesimazione, originando esileranti momenti di comicità, ancor più apprezzati dal pubblico pavese che riconosce nei luoghi citati i posti della propria quotidianità. Come se non bastasse, ad aumentare il grado di ilarità si aggiunge la vicenda del cardinal Dorigo (Amerigo Fontani) che, insieme a padre Tomaino (Gianni Pellegrino) e sotto la supervisione del cardinal Corso (Mauro Marino), cerca prove per il processo di santificazione di Suor Ercolina d'Afragola in missione a Gropello (Anna Lisa Amodio) e troverà invece l'amore.
Su una trama di battute incentrate sui contrasti, sui giochi e sulle scelte lessicali, sempre semanticamente e musicalmente calibrate e mai lasciate al caso -cifra stilistica e distintiva di Edoardo Erba- si inserisce perfettamente la personalità di Maria Amelia Monti che dà vita ad una Michelina talvolta ingenua, buffa e spontanea la quale, nonostante la poca istruzione ed esperienza, sa riconoscere i veri valori della vita. Con la sua coinvolgente irruenza e naturalezza l'attrice si rivela una sorpresa anche dal punto di vista canoro e con i colleghi, non meno brillanti e spiritosi, riesce a ricostruire, tra una risata e l'altra, l'atmosfera del dopoguerra fatta a volte ancora di disagi, ma anche di desiderio di rinascita e di vitalità.
Nella stagione teatrale pavese non poteva mancare questo spettacolo che con leggerezza, gusto e tanto divertimento mescola, anche con un pizzico di irriverenza mai irrispettosa però, spettacolo, lustrini e paillettes a tonache, santi e preghiere, in un mondo dove ad avere la meglio è comunque e senza pretese l'amor che move il sole e l'altre stelle.

VOTO: /5

Madagascar 2

2009-01-06T11:22:00.005+01:00

Torna sugli schermi la strampalata banda di animali newyorkesi questa volta alle prese con un esilerante ritorno alle origini...con Madagascar 2, diretto da Eric Darnell e Tom McGrath, la Dreamworks centra un'altro successo.

Raro caso in cui un sequel è addirittura meglio del suo precedente cinematografico, questo film di animazione colpisce per la vivacità e la freschezza delle situazioni create e per la capacità di esaltare e sfruttare al massimo le potenzialità comiche e caratteriali dei personaggi, le cui basi erano già state gettate in Madagascar. E', infatti, con la curiosità di vedere cosa combineranno questa volta Alex, Marty, Gloria, Melman e, in particolare -confessiamolo- la travolgete gang di pinguini che ci rechiamo al cinema, complice anche una sapiente strategia di marketing che, nei trailer, è riuscita a concentrare scene accattivanti e a catturare la nostra attenzione. Diversamente da quanto spesso succede, le migliori gag non sono, però, tutte contenute solo negli spazi pubblicitari e, di fronte allo schermo, le nostre aspettative vengono pienamente soddisfatte.
Come nei migliori film animati primariamente destinati ad un pubblico infantile, ma non solo, le avventure dei nostri amici animali mescolano un messaggio di esaltazione dei valori importanti della vita come l'amicizia, la famiglia e la generosità a temi attuali come la salvaguardia della diversità e la valorizzazione della propria individualià. E, per farlo, si affidano ad un tono ironico, a tratti piacevolmente irriverente, che attraverso trovate e battute divertenti e mai banali ci guidano dalla caotica giungla cittadina agli sconfinati e mozzafiato paesaggi africani.
Geniale e funzionale alla vivacizzazione del ritmo e all'originalità della pellicola l'idea di dare spazio a personaggi che, nel primo episodio, erano rimasti ai margini (tutt'altro che che bui) come l'arzilla e combattiva vecchietta, special guest star alla guida di gruppo di turisti newyorkesi catapultati in un mondo, per loro inusuale, che poi così estraneo dal proprio in fondo non è.
Accompagnato da una coinvolgente colonna sonora, rubando qua e là a diversi generi cinematografici (avventura, arti marziali, disaster movie ecc.) e traendone gli spunti più spassosi, Madagascar 2 è senz'altro una chicca dell'offerta cinematografica natalizia che vale la pena non perdere.

VOTO: /5

Amleto

2008-11-18T09:58:00.010+01:00

Palco nudo, formato da assi inclinate verso il pubblico e interrotto da uno squarcio a riprodurre la botola "infernale" del teatro elisabettiano; un paio di sedute spartane; sacchi di iuta colmi sui margini della scena; una sola persona in scena avvolta da uno stralcio di cielo stellato -unico elemento di stacco rispetto allo spoglio ambiente circostante....così si apre lo spettacolo che venerdì 17 ottobre ha aperto la stagione di prosa del teatro Fraschini di Pavia: l' Amleto.

Lella Costa, unica protagonista, si trasforma di volta in volta in narratore, commentatore, personaggio per farci riscoprire sotto una nuova luce la storia del dubbio più famoso del mondo. Seguendo un testo da lei elaborato, insieme al regista Giorgio Gallione e a Massimi Cirri, ripercorre le vicende del principe di Danimarca dalle sue origini di racconto medievale, attraverso il plurirappresentato testo shakespeariano, fino alle sue ricadute contemporanee, lasciando intatto il nucleo pregnante della tragedia, ma trasformandola in una sorta di teatro di narrazione utilizzato per smuovere le coscenze di tutti i tempi, specialmente quelle contemporanee.
Ecco così che, sotto la guida della sua voce versatile e della sua recitazione coinvolgente -in un impianto fedele alle convenzioni del teatro inglese del '500 e '600- il palco e le suppellettili su di esso disposte si trasformano in castello di Elsinore, torri di guardia, cimitero, biblioteca, sala reale; il drappo stellato diventa manto regale, trono, cadavere; mele che si rovesciano rotolando sul palco sono fiotti di sangue che zampillano...
Lella Costa indaga le psicologie e i sentimenti dei singoli personaggi, ne evidenzia incertezze, ipocrisie e dilemmi. Gli stessi dilemmi che tutti noi siamo chiamati ad affrontare ogni giorno nelle piccole e grandi questioni della vita.
In una riflessione che si articola tra il tono serio dell'analisi storica ed esistenziale e quello ironico-sarcastico di chi vuole sbeffeggiare le facciate di rappresentanza, l'attrice riserva ampio spazio alla causa pacifista che si fa largo nella trama narrativa. Molto sentita da Lella Costa questa tematica, sepre attuale, ben si amalgama al testo shakespeariano tranne -a mio avviso- in alcuni momenti in cui i riferimenti ironici sull'argomento, legati all'attualità, risultano non proprio freschi e originali.
Nel complesso lo spettacolo offre allo spettatore una buona amalgama di capacità recitative e interpretative, coinvolgimento emotivo, occasioni di riflessione e novità nell'accostarsi a una delle tragedie più famose della storia del teatro.

VOTO: /5

Mamma Mia!

2008-10-17T18:11:00.015+02:00

Arriva sullo schermo Mamma Mia!, il film musicale incentrato sulle canzoni degli Abba e tratto dall'omonimo musical teatrale che debuttò a Londra nel 1999 con la drammaturgia di Catherine Johnson e la regia di Phyllida Lloyd. Secondo il principio in base al quale "squadra che vince non si cambia" le due donne, insieme alla produttrice Judy Craymer, tentano di bissare il successo del precedente teatrale e approdano al cinema forti di un ottimo cast attoriale.

Sophie (Amanda Seyfried), cresciuta solo con la madre Donna (Meryl Streep) su un'incantevole isola greca, trova i diari giovanili della madre e scopre di avere tre possibili padri: l'architetto Sam Carmichael (Pierce Brosnan), il bancario Harry Bright (Colin Firth) e il marinaio Bill Anderson (Stellan Skarsgard). Decide così di invitarli tutti, a insaputa della mamma, in occasione del suo matrimonio con Sky (Dominic Cooper) e ciò porterà scompiglio nella, di solito tranquilla, isoletta sotto la quale è nascosta la fonte della dea Afrodite.
Questa la trama che, più che condurre allo svelamento del "giallo" e alla conclusione dell'intreccio narrativo con un significativo ritrovamento della figura paterna, mira a esaltare le qualità della straordinaria interprete principale. Meryl Streep, infatti, è indiscussa protagonista -insieme ai coinvolgenti e evocativi successi del gruppo svedese- di questo commedia che, pur non tralasciando tematiche importanti come il rapporto madre-figlia, l'affacciarsi alla vita di una giovane donna e l'inseguimento dei propri sogni, privilegia la creazione di un'atmosfera allegra e briosa nella quale l'attrice risulta una vera e propria "dancing queen".
Contribuiscono attivamente alla realizzazione di questo affresco anche le compagne di passate scorribande di Donna, la scrittrice solitaria Rosie (Julie Walters) e la plurisposata Tanya (Christine Baranski), che insieme alla loro migliore amica ridanno vita al loro gruppo, in puro stile anni Settanta, "Donna and the Dynamos" e con la loro verve animano spettacolari numeri musicali e spassosissime scenette. La vitale ed energica componente femminile sembra prevalere e trascinare una comunque eccellente e simpatica compagine maschile che, trovatasi coinvolta in questa avventura, alla fine, si mostrerà fonte di sorprese.
Bella la fotografia che restituisce un'immagine solare, selvaggia e invitante della Grecia e del suo splendido mare che con le sue acque contribuisce a far rinascere emozioni e sentimenti.
La colonna sonora è ben interpretata e coreografata sia dagli attori principali che dai cori della gente locale che contribuiscono a donare al film un tono folklorico e partecipato.
Impossibile non rimanere inebriati dall'ambientazione, dall'interpretazione e dalle musiche degli Abba che non ci abbandonano nemmeno nei titoli di coda e le cui parole sicuramente rimangono sulle labbra dello spettatore anche all'uscita della sala.

VOTO: /5

Hancock

2008-10-09T09:29:00.007+02:00

In un mondo che vive d'immagine e di strategie di comunicazione nemmeno un supereroe può salvarsi dal giudizio mediatico e dal consenso popolare, specialmente se è un goffo, trascurato e alcolizzato paladino della giustizia. Solo un esperto di marketing e pubbliche relazioni può porre rimedio a una situazione tanto disperata e riportare in auge il suo cliente restio verso le relazioni interpersonali.

Questa la storia di Hancock (Will Smith) - raccontata dal regista Peter Berg- che, in una "normale" giornata di disastrosi salvataggi ha la fortuna di incontrare sulla sua strada Ray Embrey (Jason Bateman), suo alter ego senza supe poteri impegnato in una lotta, che pare vana, contro l'egoismo e l'avidità delle multinazionali farmaceutiche.
Tra un completo restyling estetico e comportamentale, interviste con la stampa e strategie pubblicitarie mirate a riconquistare la stima degli abitanti di Los Angeles, pian piano impariamo a conoscere questo eroe scontroso, segnato da una profonda solitudine e la cui "criptonite" si rivelerà essere il più "umanizzante" dei sentimenti: l'amore capace di rendere vulnerabile -e non solo in senso figurato- anche il più forte dei supereroi.
Azzeccatissima la scelta del protagonista Will Smith che è perfettamente in grado di calarsi nei panni di Hancock, riuscendo a comunicarne allo spettatore sia l'aspetto irriverente e burlesco, sia quello più intimo e nascosto dietro l'apparenza. Anche Charlize Theron, nei panni della moglie di Ray e non solo..., si distingue per la sua recitazione convincente e comunicativa.

Insieme alle mirabolanti riprese aeree, agli scontri coi criminali e alle avventure strabilianti, che non possono mancare in un film del genere, il regista Peter Berg riesce a tratteggiare con ironia e freschezza la figura di questo eroe sui generis che, pur non rispondendo all'immaginario comune, non può non risultare vincente nella sua imperfetta autenticità.

VOTO: /5

Il cavaliere oscuro

2008-09-01T16:51:00.010+02:00

In una Gotham City sommersa dalle tenebre, il regista Chritopher Nolan presenta un Batman (Christian Bale) coraggioso, ma anche estremamente "umano" alle prese con il crimine che travolge e sommerge la città. Fin qui la solita storia del superoe costretto ad affrontare i cattivi per sconfiggerli e riportare la tranquillità...se non fosse per il fatto che in questo film la tranquillità è ben lungi dall'essere raggiunta e che la malvagità è così profondamente radicata nella società da portare a confondere i confini tra bene e male, tra giusto e sbagliato. Di nulla e di nessuno ci si può fidare in questo mondo invaso dalla corruzione, governato dalla mafia che vanta infiltrati in tutti i settori nevralgici dell'organizzazione statale e dove perfino il procuratore Harvey Dent (Aaron Eckhart) può trasformarsi da strenuo paladino della giustizia a spietato vendicatore.

Artefice di questo cambiamento ed espressione più pura di questa cattiveria ontologica, paladino della teoria dell' "homo homini lupus" è Joker che con i suoi trucchi e le sue macchinazioni mette in scena il "piacere" della crudeltà. Sfigurato da un ghigno ironico-malefico e magistralmente interpretato da Heath Ledger, candidato post-mortem all'Oscar per questo ruolo, Joker si diverte a provocare il suo nemico giurato Batman. Non è il desiderio di denaro a muoverlo, nè l'ambizione al potere, ma la volontà di spingere gli uomini verso il loro lato più oscuro. Desiderio di vendetta, emarginazione, solitudine...non è dato sapere con precisione l'origine di questa personalità quasi animalesca, profondamente negativa e scevra da ogni barlume di riscatto o giustificazione.
A far fronte a tutto ciò Bruce Wayne, brillante imprenditore, che di notte veste i panni dell'uomo pipistrello pronto ad offrire alla città ciò di cui ha realmente bisogno, anche se questo significa rinunciare all'immagine dell'eroe positivo tutto di un pezzo acclamato dalla folla.
In questo clima profondamente noir, in un ambiente cupo e ansiogeno nemmeno l'amore riesce a sopravvivere e all'eroe non rimane nulla al di là dell'illusione di una storia che in ogni caso sarebbe stata senza futuro.
Unico personaggio che riesce a mantenere un alone di positività, anche se a spese della serenità della propria famiglia, è il poliziotto James Gordon (Gary Oldman) che insieme a Micheal Caine (il maggiordomo e consigliere di Bruce Wayne) e Morgan Freeman (fidato aiutante di Wayne) dà vita a un cast di comprimari degno di nota.
Unica pecca del film è forse l'eccessiva durata che, se da un lato contribuisce all'approfondimento psicologico dei personaggi, dall'altro rende un po' pesanti alcuni passaggi.

VOTO: /5

La critica....

2008-07-13T16:39:00.005+02:00

Con la fine della stagione teatrale pavese e le mie, purtroppo, poche occasioni di recarmi al cinema in questo periodo, il blog langue...e allora, complice il dvd di "Ratatouille" - graditissimo regalo ricevuto in occasione del quarto di secolo da me raggiunto recentemente- ne approfitto per postare il brano sulla critica scritto dal temutissimo, ma ormai ravveduto, Monsieur Ego di cui avevo avuto modo di accennare nella mia recensione al film del 21 ottobre 2007.
Validissima analisi del ruolo rivestito dal critico, non solo nel campo culinario, vuole essere una piccola dichiarazione d'intenti da parte della sottoscritta che, lungi dal ritenersi una vera e influente "critica" teatrale o cinematografica, nel suo percorso da "opinionista del web" vuole tenere chiari davanti a sè questi semplici, ma fondamentali principi:

"Per molti versi la professione del critico è facile,
rischiamo molto poco, pur approfittando del grande potere
che abbiamo su coloro che sottopongono il proprio lavoro al nostro giudizio.
Prosperiamo grazie alle recensioni negative che sono uno spasso
da scrivere e da leggere.
Ma la triste realtà cui ci dobbiamo rassegnare è che nel grande
disegno delle cose anche l'opera più mediocre
ha molta più anima del nostro giudizio che la definisce tale.
Ma ci sono occasioni in cui un critico rischia davvero,
ad esempio nello scoprire e nel difendere il nuovo.
Il mondo è spesso avverso ai nuovi talenti e alle nuove creazioni,
servono sostenitori."

Buona estate a tutti!

Iron Man

2008-05-03T10:29:00.008+02:00

Dal 1° maggio è sugli schermi italiani Iron Man. L'ultimo atteso eroe della Marvel, che vede la luce -o sarebbe meglio dire la carta- per la prima volta nel 39° numero della serie a fumetti "Tales of suspence", prende vita al cinema per la regia di Jon Favreau.

Niente punture di insetti radiattivi, mutazioni genetiche o esposizioni nocive per questo "self made hero" che, facendo leva sul tipico spirito di intraprendenza americano, riesce con le sue sole forze e il suo ingenio a trasformarsi in una delle personalità più amate dagli appassionati del genere comics.
Tony Starks è l'erede di grande impero industriale fondato sulla produzione di armi ad altissima precisione e dalla potenza devastante. Principale fornitore dell'esercito americano impegnato sul fronte afgano, proprio durante un viaggio dimostrativo sul campo viene rapito dai terroristi arabi che lo rinchiudono in una grotta con l'incarico di riprodurre la sua ultima micidiale invenzione: il missile Jericho. Qui il magnate delle armi, accortosi che anche gli avversari beneficiano del suo operato e resosi conto della grande responsabilità che la sua figura riveste nell'alimentazione della guerra, decide di abbandonare il ruolo di "mercante di morte" che, fino ad allora, aveva rivestito senza alcuno scrupolo morale. Aiutato da Yin-Sen (Shaun Toub), suo compagno di prigionia, progetta un' armatura che, alimentata dallo stesso congenio che lo mantiene in vita (tenendo lontane dal suo cuore le schegge dei proiettili con cui è stato colpito durante l'attentato), gli permetterà di evadere. Tornato in America, Tony Starks annuncia alla stampa di voler definitivamente abbandonare la produzione di armi e si dedica al perfezionamento della sua avvenieristica armatura con la quale fronteggerà ancora una volta i terroristi e il suo nuovo nemico: Obadiah Stane (Jeff Bridges), vecchio socio di suo padre che non vede di buon occhio le mutate attitudini del giovane e nutre da sempre mire di comando sulle Starks Industries.
A interpretare il protagonista, l'attore Robert Downey Jr. che ben incarna questo rampollo milionario e geniale, un po' arrogante, sempre pronto alla battuta sarcastica, avvezzo alle donne e ai divertimenti che si ravvede per trasformarsi in un supereroe in difesa dei più deboli.
Con 186 milioni di dollari di budget, la prima produzione interamente gestita dalla Marvel e dal suo presidente Stan Lee (presente in un simpatico cameo all'interno del film) è una vera chicca per gli appassionati di tecnologia e di computer graphic. Gli effetti speciali, firmati Industrial Light & Magic, non cadono nell'errore -rischio spesso ricorrente in questa tipologia di film- di sembrare stucchevoli e fini a se stessi. Sempre al servizio della narrazione, contribuiscono all'esaltazione delle qualità performative di Iron Man e offrono anche un simpatico e "umano" ritratto del supereroe che, nel suo percorso di genesi, non è esente da buffi e goffi siparietti, spesso in compagnia dell'intelligenza artificiale che lo coadiuva nei suoi esperimenti.
Da non dimenticare anche la gradevole presenza di Pepper Potts (Gwyneth Paltrow), la premurosa assistente tutto-fare di Tony Starks, e il ruolo di James Rhodes (Terrence Howard) pilota dell'esercito e migliore amico del protagonista che rivestirà un ruolo sempre più importante nelle avventure di Iron Man.
Nell'eterna lotta tra bene e male, questa è solo la prima avventura cinematografica di Iron Man del quale si attendono sicuramente altri episodi. Non siate impazienti e attendete pazientemente lo scorrere di tutti i titoli di coda per averne la prova.

VOTO: /5

Tutta colpa di Garibaldi

2008-04-01T17:00:00.009+02:00

Ieri 31 marzo, a Pavia, è andato in scena l'ultimo appuntamento del ciclo "Il teatro che ride". Gioele Dix, abbandonato il ruolo dell'automobilista cronicamente "incazzato" dell'ultima stagione di Zelig, arriva al teatro Fraschini con lo spettacolo Tutta colpa di Garibaldi.

Il testo, del quale l'attore protagonista è autore insieme a Nicola Fano e a Sergio Fantoni (anche regista dello spettacolo), in un mescolarsi di comicità e riflessione, ripercorre alcune delle vicende che vedono coinvolto l'Eroe dei Due Mondi nel processo verso l'unità d'Italia. Da un accurato studio di memorie e testimonianze emerge un ricco e variegato ritratto di Garibaldi che, attraverso alcuni episodi salienti della storia "italiana" dalla prima guerra d'indipendenza alla spedizione dei mille, attraverso gli esili e i viaggi all'estero, restituisce un'immagine del generale coraggioso, del condottiero a volte spericolato, del marito innamorato e dell'uomo tenace che , fiducioso nel proprio obiettivo, "vuole farsi i fatti degli altri in un paese dove tutti pensano ai fatti propri".
Lo spettacolo inizia quando Gioele Dix arriva su un improbabile palco per mettere in scena uno spettacolo su Garibaldi e qui trova una brutta sorpresa visto che, ad attenderlo, invece di un'intera e organizzata compagnia di attori e tecnici, l'attore trova solamente una volenterosa e vivace "location manager" brasiliana (Edmarcia De Androade) e un abile contrabbassista spagnolo (Matteo Malavasi) a sostituire l'orchestra. Proprio in loro compagnia, dopo un'iniziale riluttanza, l'attore comincia le prove generali di quella che non vuole essere una semplice lezione di storia, ma l'ironica e a volte sarcastica riscoperta di avvenimenti del passato che hanno segnato indelebilmente il destino italiano. Ed è così che, accompagnata da un sottofondo musicale magistralmente interpretato ed estremamente vario (si va dal rock agli inni nazionali, passando attraverso le canzoni patriottiche, i ritmi latini e gli spartiti di cantautori italiani), si srotola davanti gli occhi dello spettatore una sequenza di eventi nei quali è possibile riconoscere innegabili somiglianze con la contemporaneità. Ed ecco che tra approssimate (solo per quanto riguarda i mezzi di scena e non certo i contenuti) ricostruzioni storiche, battute umoristiche e giochi di parole, favoriti dall'internazionalità dello staff e dalla veloce parlata della preziosa assistente sudamericana, emergono temi attuali da quelli quali gli interessi e l'incoerenza della classe politica, il conflitto d'interessi, il lavoro precario condito dagli estenuanti "le faremo sapere" e molto altro ancora. A fare da filo conduttore quel concetto di italianità che ha potuto svilupparsi e prendere piede proprio grazie a (o forse sarebbe meglio dire 'per colpa di') Garibaldi che con le sue aspirazioni a dato il via al processo di unificazione nazionale. Un'italianità messa alla berlina in questo spettacolo e fatta di incoerenza, di disorganizzazione e di quei luoghi comuni che ci rendono malamente noti all'estero.
A suo agio nel riprodurre le più disparate sonorità dialettali dei regni pre-unitati a servizio di una narrazione puntuale, ma divertente, attraverso una recitazione briosa e versatile, Gioele Dix ci guida in questo insolito e interessante viaggio alla scoperta non solo di un personaggio storico, ma anche di una parte di noi e della nostra natura.

VOTO: /5

Muratori

2008-03-28T14:22:00.007+01:00

Curiosa di vedere dal vivo uno spettacolo che avevo "solo" sentito raccontare dal suo autore, mio coinvolgente e brillante professore durante un corso universitario di scritture per la scena e per lo schermo, mi sono recata ieri, 27 aprile, al teatro Fraschini di Pavia per assistere alla messa in scena di Muratori.

Giunto al sesto anno di repliche, questo testo è finalmente arrivato nella città natale di Edoardo Erba, il drammaturgo che lo ha ideato, e ha saputo coinvolgere la platea con la sua ironia e col suo tono leggero, ma non frivolo. E' attraverso battute e situazioni divertenti, infatti, che lo spettatore, tra una risata e l'altra, è condotto in un viaggio tra la quotidianità umana più concreta e il mistero di una visione poetica dell'esistenza incarnato dal medium teatrale.

Muratori racconta la storia di due manovali romani Fiore (Paolo Triestino) e Germano (Nicola Pistoia) che, per raggiungere il sogno di aprire una loro ditta di spurghi, accettano di lavorare per un'imprenditore che ha chiesto loro di chiudere con un muro il boccascena di un teatro ormai in disuso, per permettere al supermercato vicino di allargare il proprio magazzino. Ovviamente, complici i vincoli dei beni culturali e l' abitudine italiana allo sfruttamento del lavoro irregolare, i due sono costretti a lavorare in nero e di nascosto.
E così, in un originale e coinvolgente gioco metateatrale, l'intero teatro pavese -e non solo il palcoscenico- si trasforma nel deserto stabile romano nel quale, di notte, giungono i due amici per portare a termine il loro compito. Il pubblico in sala "scompare" trasportato dal magico gioco del Teatro in un'altra dimensione, per farsi testimone delle fatiche e delle confidenze dei due muratori che, spingendo su è giù dal palco carriole cariche di mattoni, riflettono a modo loro sui problemi di tutti i giorni, sulla vita, sulle delusioni d'amore e su alcuni dilemmi della contemporaneità.
E mentre, come moderni automi che ricordano un po' le catene di montaggio chapliniane e gli operai langhiani di "Metropolis", costruiscono questo muro, incontrano Giulia (Eleonora Vanni), una donna bellissima e seducente che modificherà la loro visione delle cose. Questa figura, avvolta nel mistero, altri non è che la protagonista della " Signorina Giulia" di Strindbergh, ultimo spettacolo andato in scena in quel teatro. Con il suo ingresso la protagonista femminile porta con sè tutto il potere evocativo del Teatro che, sebbene risulti sempre più estraneo in un mondo concentrato spesso solo sui beni materiali, deve essere difeso e salvaguardato.
Guidata dalla regia di Massimo Venturiello, l'interpretazione dei due attori (che ho potuto apprezzare al meglio, favorevole un ottimo posto a sedere che mi ha permesso di vivere da vicino la loro presenza) mette in risalto qualità di immediatezza e di affiatamento che, insieme ad un testo vivace nel quale le battute e gli scambi si susseguono senza mai perdere la loro frizzantezza e pregnanza, contribuiscono a fare di Muratori uno degli spettacoli più interessanti e godibili di questa stagione teatrale pavese.

VOTO:/5

Parliamone insieme: la famiglia.

2008-02-24T14:34:00.003+01:00

Riprende lunedì 25 febbraio a Pavia, presso la sala Riccardo Pampuri dell'istituto Domus Pacis di Via S. Lanfranco, il secondo ciclo del cineforum intitolato "Parliamone insieme".

Protagonista di questa seconda edizione del periodo 2007/2008 è il tema della famiglia, analizzato attraverso la visione di tre pellicole che affrontano problematiche inerenti differenti nuclei familiari: La guerra di Mario, La ricerca della felicità e Once were warriors.
In questa occasione l'iniziativa ha visto convergere il desiderio di confronto del Gruppo Giovani della Parrocchia di San Lanfranco, guidato da Don Emilio Carrera, con la volontà da parte del Centro Affidi del Comune di Pavia di mettere in luce, all'interno delle dinamiche familiari, una tematica delicata e importante quale quella dell'affido.
Ed è proprio su questo argomento che è incentrato il primo film in programma. La guerra di Mario, opera del 2005 del regista Antonio Capuano, aprirà domani sera la rassegna cinematografica che proseguirà lunedì 3 marzo con La ricerca della felicità, lungometraggio che nel 2006 segna l'apertura dell'esperienza hollywoodiana del regista Gabriele Muccino e vede Will Smith nelle vesti di padre premuroso che ce la mette tutta per non deludere suo figlio, per concludersi lunedì 10 marzo con Once were warriors film neozelandese del 1994 di Lee Tamahori dove l'unione di una famiglia maori è messa alla prova dal confronto con la società e le sue piaghe.
Ancora una volta introdotti e commentati con il supporto del Gruppo Giovani della parrocchia San Lanfranco, i tre film scelti verranno presentati alle ore 20:45 per poi essere proiettati a partire dalle ore 21. Il costo dell'ingresso è di 5 euro a film (10 euro per l'intero abbonamento).
Vista l'importanza dell'argomento trattato e le possibilità che quest'ultimo offre alla nascita di un di dibattito sempre vivo e -si spera- costruttivo, specialmente nel periodo odierno in cui tanto si discute della famiglia e di tutte le sue forme, ci auguriamo che questo cineforum abbia successo e che tutti coloro che sono interessati si presentino numerosi domani sera per parlare insieme di quello che è uno dei pilastri fondanti della società: la famiglia.

Le storie del signor Keuner

2008-02-20T11:34:00.008+01:00

Ieri, 19 febbraio, è andato in scena al teatro Fraschini lo spettacolo Le storie del signor Keuner. Il testo, composto a partire dal 1929 e portato avanti fino agli ultimi anni di vita dell'autore, è tra i meno conosciuti di Bertolt Brecht e raccoglie una serie di racconti e di aneddoti che vedono dipanarsi le considerazioni di un alter ego del famoso drammaturgo, il signor K. (Keuner appunto), a proposito della Storia e del ruolo che l'uomo, con i suoi dubbi, le sue debolezze e la sua sete di libertà e giustizia, si trova a rivestire nello scorrere degli eventi.

Moni Ovadia, recentemente insignito di una laurea honoris causa dall'Università degli Studi di Pavia, ritorna nel capoluogo di provincia lombardo come regista -insieme a Roberto Andò- e attore di una messinscena che diventa manifesto del teatro epico brechtiano: il teatro che riflette su sè stesso e sul proprio ruolo, che rivela le sue convenzioni e i suoi "trucchi" per metterli al servizio della riflessione collettiva. Un teatro didattico che spinge gli spettatori ad abbandonare le proprie abitudini percettive, ad interrogarsi sugli eventi presentati di fronte ai loro occhi, a prendere una posizione e, una volta usciti dalla sala, ad intervenire attivamente su questa realtà per migliorarla.
Mezzo principale attraverso il quale raggiungere questo scopo è l'uso di quel principio di straniamento che costituisce uno dei cardini della poetica brechtiana e che prende corpo sul palcoscenico pavese. In una scena (Gianni Carluccio) in continua evoluzione, regna sovrana la citazione. Citazioni di gesti e di attori che mescolano suggestioni kantoriane (presente in scena Roman Siwulak che, seduto su un banco scolastico con un manichino, rievoca il celebre spettacolo "La classe morta"), atmosfere da cabaret (Lee Colbert nei panni della cantante espressionista) e rimandi al grande balletto russo (Maxim Shamkov protagonista "femminile" di un assolo di danza classica). Citazioni di brani letterari tra i quali spiccano gli scritti di Walter Benjamin e le stesse parole del signor Keuner lette in video da numerosi personaggi della vita politica e culturale italiana contemporanea. Citazioni di immagini che, proiettate direttamente sulla scenografia o su schermi sospesi, spaziono dai filmati storici, alle pellicole cinematografiche fino ai terribili documenti di cronaca riguardanti le grandi stragi italiane e i delitti di mafia.
Il tutto accompagnato dalle note di un'abile orchestra, composta da otto elementi, che si misura con brani di generi molto diversi tra loro e canzoni spesso proposte in lingua originale.
Tutti gli elementi si intersecano tra loro sulle assi del palco. La percezione del pubblico è continuamente messa alla prova: le parole e le voci si sovrappongono ai cartelli e alle scritte che scorrono su pannelli e che contengono traduzioni o moniti per chi legge e lo spettatore è costretto a scegliere quale seguire tra i frammenti narrativi presenti in scena; gli attori scendono nella platea e perfino l'identità di alcuni di essi è data per scontata (si vedano i membri della band vestiti da donna).
In un continuo gioco di sollecitazioni, Moni Ovadia, orchestratore e conduttore dell'intero meccanismo scenico, induce e conduce i presenti a trasportare quelli che erano i dubbi e pensieri del signor Keuner ai giorni nostri, a porsi delle domande e a risvegliarsi dal torpore percettivo in favore di un approccio più critico nei confronti del mondo.

VOTO: /5

Sola me ne vo

2008-02-04T10:11:00.001+01:00

Tappa a Pavia per lo spettacolo Sola me ne vo che nelle sere dell' 1, 2 e 3 febbraio ha visto protagonista la grande Mariangela Melato sul palcoscenico del teatro Fraschini.

L'attrice si muove in una scena in nero, firmata da Marcello Jazzetti, che si anima della luce di numerose lampadine che sottolineano l'ingresso del boccascena e il contorno degli specchi-schermo, appesi sullo sfondo, sui quali vengono proiettate le immagini dei personaggi vestiti in passato dalla Melato e sui quali prende vita l'orchestra virtuale che, insieme al pianista Lorenzo Capelli presente sul palco, accompagna la protagonista nei numeri musicali.
Ecco così che in un gioco di luci e ombre, tra performance canore intensamente interpretate e coreografie (curate da Luca Tommassini) eseguite insieme ai suoi sei boys (Marco Bebbu, Stefano Benedetti, Tony B., Emanuele Pin, Paolo Sabatini, Marcello Sacchetta) e spazianti in un ventaglio espressivo che va dal tip tap al tango, passando per il grande varietà, Mariangela Melato ripercorre brani della sua vita artistica e non.

Guidata dal testo che lei stessa ha scritto insieme a Vincenzo Cerami, Riccardo Cassini e Giampiero Solari, l'attrice rivive la Fedra di Racine -vivacizzata da un divertente e imbarazzante incidente del mestiere-; gli esordi al teatro Odeon di Milano nella compagnia di Dario Fo e Franca Rame e alcuni dei propri trascorsi cinematografici, ironicamente rievocati dalla voce del Gennarino Carunchio di Travolti da un insolito destino nell'azzurro mare d'agosto che le ricorda continuamente i suoi ruoli da prostituta...
La carriera si mescola poi con frammenti di vita privata e familiare che aprono il sipario su una Mariangela Melato profondamente legata alla milanesissima coppia di genitori: la mamma sarta, perplessa di fronte alla fase "dark" della figlia adolescente e il papà ghisa (per i non milanesi: vigile urbano). Tra la descrizione di una giornata di riposo lontano da impegni lavorativi; le riflessioni sulla vita di coppia di "una" che alla fine, un po' per convinzione personale e un po' per mancanza di una vera e propria proposta, non si è mai sposata e gli omaggi a grandi personaggi dello spettacolo come Wanda Osiris, Giorgio Gaber e Claudio Villa, l'attrice rivela tutte le sue qualità performative e crea un intimo legame col pubblico che, in diversi momenti, viene interpellato e coinvolto direttamente.
In un continuo e sfumato passaggio dalla donna all'interprete e viceversa, Mariangela Melato mette in luce tutta la sua energia, la sua vena ironica, la sua capacità di calcare e rendere viva la scena e, con lei, il teatro: quel luogo magico popolato dallo spirito delle migliaia di personaggi che vi sono transitati e dove la vita e il mondo assumono una propria peculiare dimensione.
Le quasi due ore senza interruzioni -rette magistralmente dall'attrice senza cedimenti, nonostante un po' di raffreddore- corrono veloci in uno spettacolo che rende merito alle grandi doti e all'esperienza di quella che si può considerare una delle più apprezzate e riconosciute attrici del panorama italiano.

VOTO:/5

Si vive una volta. Sola.

2008-02-01T11:13:00.001+01:00

Ieri 31 gennaio per la rassegna "Il teatro che ride" è andato in scena, al teatro Fraschini, lo spettacolo Si vive una volta. Sola, ideato e interpretato da Geppi Cucciari, una delle comiche più apprezzate e popolari di Zelig.

In un teatro stracolmo di spettatori, radunatisi per assistere alla "performance" della simpatica trentaquattrenne sarda, c'ero anch'io, curiosa di verificare se la naturale predisposizione della protagonista alla battuta sarcastica e alla critica ironica applicata a spaccati di vita femminile, che tanto mi aveva divertito in tv, avrebbe retto una volta trasportata sulle assi di un palcoscenico in un vero e proprio spettacolo. A rispondere a questi miei dubbi un'ora e venti di risate, suscitate dalla divertente ricostruizione di insicurezze, manie e abitudini femminili, per un bilancio della serata decisamente positivo.
Il monologo ruota attorno a un canovaccio narrativo costituito dalla disperata ricerca da parte della protagonista e di due sue care amiche di un accompagnatore per non sfigurare -uniche non fidanzate- al matrimonio della più bruttina della classe che, fuori da ogni previsione, è riuscita a trovare un partito da sposare, facendo ricadere Geppi & Co. in un vortice di autoironica commiserazione.
La vicenda offre lo spunto per una esilerante riflessione sulla "singletudine" fatta di serate passate a rileggere i numerosi (2) messaggi degli ex, a ricordare tutti (1) i capodanni trascorsi con un uomo o a trangugiare cucchiaiate di nutella, il tutto ascoltando una canzone strappalacrime. Tra estenuanti (si fa per dire) sedute di step, ore e ore passate di fronte a un armadio pieno di vestiti acquistati in attimi di follia o che non entrano più e abbuffate tra amiche che condividono lo stesso destino, quello che si costruisce davanti ai nostri occhi è un universo in rosa, esplorato non senza una vena di autocritica comicità, che in fondo ride di se stesso e che dà il proprio meglio quando si scontra con quell'affascinante, ma altrettanto distante, mondo che è la psiche maschile. Ne nascono avventure fatte di incomprensioni e di modi diversi di affrontare la vita, la spesa, la prima notte insieme, le faccende domestiche, la guida e molto altro ancora, in alcune delle quali è impossibile non riconoscersi.
Abile a mantenere vivo il contatto col pubblico (anche nel divertente bis che ha visto coinvolta la platea e una giovane coppia di promessi sposi tra gli spettatori) con la sua verve, Geppi è il volto di una donna come tante capace di lamentarsi quando è sola, ma di fare altrettanto quando ha accanto a sè un compagno, perchè è bello così, perchè noi donne non saremmo noi senza questa continua ricerca della perfezione, senza questa irrinunciabile tendenza a non accontentarsi mai, perchè -come diceva Fiorella Mannoia- "siamo così dolcemente complicate...". E allora impariamo da Geppi Cucciari a prenderci un po' in giro, a sdrammatizzare e a riderci su.

VOTO:/5

Aldo Moro - Una tragedia italiana

2008-01-30T13:54:00.001+01:00

A trent' anni dall'assassinio di Aldo Moro, arriva sul palcoscenico lo spettacolo Aldo Moro - Una tragedia italiana. Andato in scena ieri, 29 gennaio, al Teatro Fraschini di Pavia per la rassegna "Altri Percorsi", l'opera ripercorre la terribile vicenda del presidente della Democrazia Cristiana, rapito il 16 marzo 1978 a Roma, mentre andava al lavoro, da un gruppo di terroristi che uccide inoltre tutti gli uomini della sua scorta. Il sequestro, rivendicato dalle Brigate Rosse, durerà per ben 55 giorni per concludersi con l'omicidio del politico e con l'abbandono del suo corpo in una macchina parcheggiata in una traversa di Via delle Botteghe Oscure.

Il regista Giorgio Ferrarara decide di rievocare questa triste storia, punto cardine per la politica italiana, attraverso l'uso di materiale documentario proveniente dagli archivi di telegiornali e trasmissioni televisive e la proiezione di spezzoni tratti dall'adattamento cinematografico di Marco Bellocchio che vanno a intervallare o a sovrapporsi alla recitazione dei due attori in scena.
Lorenzo Amato riveste il ruolo di "presentatore" e commentatore dell'intera ricostruzione con il compito di far riflettere sulle pieghe prese dagli eventi e sulle loro conseguenze e di introdurre i filmati e le scene che ci riportano nel covo delle BR alla prigionia di Aldo Moro.
Quest'ultimo è interpretato da Paolo Bonacelli che, con la sua inconfondibile voce raschiata, dà vita, più che alla figura dello statista, a quella dell'uomo Aldo Moro, rinchiuso in una scenografia costituita da una claustrofobica gabbia metallica circondata da muri in cemento, a sottolineare il peso della detenzione forzata.
Il tutto a partire da un testo scritto da Corrado Augias e Vladimiro Polchi che si basa sulla corrispondenza inviata all'esterno da Aldo Moro durante la prigionia e su citazioni e testimonianze tratte da scritti di Pier Paolo Pasolini e Leonardo Sciascia.
Le missive si rivolgono ad alcuni dei rappresentanti delle più alte cariche politiche e governative (Zaccagnini, Piccoli, Cossiga, Rognoni), ma non solo. Nel tentativo di convincere lo Stato a trovare un accordo con i suoi rapitori per la propria liberazione, Aldo Moro chiede anche l'intervento di Papa Paolo VI. Ma sono le lettere ai familiari quelle che più colpiscono e mettono il luce il risvolto umano di quello che è sì uno dei più importanti rappresentati di una certa visione politica (e proprio l'essere il presidente della DC -più che una sua diretta responsabilità circa la situazione italiana dell'epoca- lo espose alle rivendicazione brigatiste), ma è anche un padre di famiglia e un marito con il desiderio di riabbracciare i suoi cari e con la paura di non poterlo più fare.
Attraverso la descrizione semplice, diretta e toccante di una pagina importante della recente storia italiana che presenta ancora risvolti oscuri, scopriamo l'angoscia di uomo che, consapevole del pericolo di morte imminente, come ultima speranza, fa appello al mondo esterno e da questo si sente abbandonato a favore di una ragione di stato che non può comprendere fino in fondo. Le ragioni politiche e di sicurezza nazionale che impongono di non trattare con i terroristi per non creare precedenti a successive pretese di carattere analogo si mescolano con le ragioni del cuore che assegnano alla singola vita umana un valore che nemmeno i più alti principi teorici di giustizia e legalità, difesi strenuamente (ma forse soloin alcuni casi...), possono oscurare.
E così quella che, ad un primo impatto, per impostazione e toni, può apparire più come un'inchiesta giornalistica piuttosto che una vera e propria opera teatrale "classica" si rivela invece, specialmente con il procedere dell'azione, come una tragedia dal sapore antico. Come una moderna Antigone, la coscienza dei politici di allora e quella dei singoli cittadini di ieri come di oggi cosi trova di fronte al inconciliabile dilemma con cui si conclude lo spettacolo: polis o pietas?

VOTO:/5

Nome di battaglia Lia

2008-01-26T11:27:00.000+01:00

Ieri, 25 gennaio, al Teatro Fraschini il secondo appuntamento con la rassegna Altri Percorsi che ha visto rappresentato sul palco pavese lo spettacolo Nome di battaglia Lia.

In concomitanza con la giornata della memoria, il testo di Renato Sarti, anche regista e attore, salva dall'oblio la storia di Gina Galeotti Bianchi giovane donna partigiana e figura di spicco nei Gruppi di Difesa della Donna milanesi che, incinta, venne uccisa dai nazisti il 24 aprile 1945 proprio mentre portava a termine la sua ultima missione: portare alla Pirelli, insieme alla compagna Stella Vecchio, l'ordine di insurrezione contro i tedeschi. Conosciuta nei gruppi della Resistenza con il nome di battaglia Lia, questa donna forte e coraggiosa incrocia la sua storia con quella di molte altre "eroine" altrettanto determinate e generose che, pur non rinunciando alle semplici gioie della vita come l'andare a ballare o al cinema, si impegnano attivamente per tenere in vita un mondo fatto di solidarietà e desiderio di libertà. E sono proprio alcune di queste donne che, reduci dall'esperienza della dittatura fascista, raccontano e ricordano molti anni più tardi gli episodi che le hanno viste protagoniste nel quartiere Niguarda di Milano e gli avvenimenti tragici di quei giorni in cui perse la vita la loro compagna Lia.
A dar voce a queste figure femminili sono Marta Marangoni e Rossana Mola che, coadiuvate da Renato Sarti, con entusiasmo e vigore rivivono quegli anni sul filo della memoria. In una scenografia spoglia fatta semplicemente di tavoli e sedie e di due biciclette protagoniste sia nello svolgimento delle missioni delle staffette partigiane, sia nell'economia dello spettacolo: è proprio a cavallo di esse che le due attrici entrano sulla scena attraversando la platea e proprio le biciclette torneranno nella coinvolgente ricostruzione finale dell'uccisione di Gina, rievocata sullo scorrere, via via più accelerato, delle immagini delle vie di Milano che si dipanano su uno schermo alle spalle delle due attrici.
La storia di per sè molto toccante è raccontata però in alcuni punti, specialmente all'inizio, in maniera un po' caotica. La recitazione, pena anche qualche problema di acustica non proprio perfetta, risulta a tratti troppo concitata: le battute -sicuramente interpretate sull'onda di una voluta enfasi dettata dalla partecipazione emotiva- sono pronunciate troppo rapidamente e ciò, a volte, non permette di afferrarne a pieno il significato.
Anche la scelta linguistica di mescolare italiano e dialetto milanese risulta, a mio avviso, poco riuscita: i due idiomi non riescono ad amalgamarsi in maniera naturale e gli stacchi tra l'uno e l'altro risultano un po' forzati così come le continue glosse a tradurre alcune espressioni dialettali.
Fuori luogo anche alcuni riferimenti alla storia contemporanea che, con il loro intento ironico-polemico, non vanno al di là delle solite battute trite e scontate, volte a suscitare la semplice risatina di consenso, e nulla aggiungono al vero nucleo significativo dell'opera: l'esaltazione della tenacia e della forza femminile a difesa del valore di libertà.

VOTO: /5

La parola ai giurati

2008-01-24T14:20:00.000+01:00

Al teatro Fraschini di Pavia arriva in cartellone (22, 23, 24 gennaio) lo spettacolo La parola ai giurati dal testo di Reginald Rose interpretato e diretto da Alessandro Gassman.

Lo spettacolo, direttamente ispirato al film del 1957 di Sidney Lumet Twelve Angry Men, racconta la storia della travagliata decisione di una giuria convocata, nella America degli anni '50, per decidere della vita di un sedicenne ispano-americano accusato dell'omicidio volontario del padre.

La condanna sembrerebbe scontata e la camera di consiglio breve, se non fosse per la resistenza di un unico giurato (Gassman) che, prima di comminare la pena di morte, si appella all'esistenza di un ragionevole dubbio circa la colpevolezza dell'imputato e chiede che tutti gli indizi e le testimonianze vengano riesaminati. Parte così una lunga ed estenuante ricostruzione dei fatti che porta pian piano tutti i componenti della giuria a rivedere le proprie convinzioni.
La parola ai giurati è un'opera teatrale che si sviluppa su un impianto d'impronta cinematografico al quale rimandano diversi accorgimenti: le proiezioni su uno schermo trasparente di vedute della città di New York; l'avvicendarsi di spezzoni dell'omonimo film a momenti di recitazione; salti temporali -rappresentati dallo scorrere veloce delle lancette dell'orologio, isolato nell'oscurità dal resto della scenografia- che richiamano stacchi cinematografici; l'alternarsi di diversi ambienti (il bagno e la sala del consiglio) come in un montaggio parallelo, la colonna sonora a sottolineare i momenti di tensione e di pathos, fino alla presentazione degli interpreti al termine dello spettacolo che ricorda lo scorrere dei titoli di coda di un film.
L'incontro di cinema e teatro sul palco, sintomatico a volte della carenza espressiva di certa recitazione, è invece in questo caso risultato di una scelta registica oculata in grado di trarre il massimo vantaggio dal connubbio tra queste due arti che, convivendo, si esaltano e contribuiscono a sottolineare la tragicità e l'importanza del tema trattato.
In uno spettacolo tutto al maschile, Alessandro Gassman dà vita al responsabile e riflessivo giurato n. 8 che, con la sua voce profonda e suadente, convince i colleghi a soppesare bene tutti i dettagli prima di arrogarsi, a cuor leggero, il diritto di porre fine alla vita di un giovane uomo. La sua convincente interpretazione ben si amalgama con la recitazione degli altri undici giurati (Manrico Gammarota, Sergio Meogrossi, Fabio Busotti, Paolo Fosso, Nanni Candelari, Emanuele Salce, Massimo Lello, Emanuele Maria Basso, Giacomo Rosselli, Matteo Taranto, Giulio Federico Janni) che portano sulla scena le esistenze di uomini profondamente diversi, costretti da una convivenza forzata in una stanza afosa e sigillata a confrontarsi con gli altri, con i propri limiti e con i propri istinti, a volte poi non così differenti da quelli di un presunto assassino.
Il risultato complessivo è quello di un'opera corale che dal singolo caso sposta l'attenzione ad un ambito più generale per affrontare il delicato argomento della pena di morte, nel tentativo di far riflettere sul valore della vita, sulla giustizia e sui diritti di vittime e colpevoli. Temi ambiziosi, affrontati qui in modo appassionato e senza banalità -rischio frequente in questi casi- in un viaggio nella psicologia umana e nella società contemporanea.

VOTO: /5

Bianco e nero

2008-01-20T12:12:00.000+01:00

In un mondo impegnato per il raggiungimento dell'integrazione razziale e permeato dalle più nobili intenzioni egualitarie lo scompiglio irrompe quando Carlo (Fabio Volo), da sempre restio a presenziare a serate di beneficenza in favore dei meno fortunati e poco interessato alle cause del terzo mondo, conosce Nadine (Aissa Maiga), bellissima e raffinata donna di colore sposata con Bertrand (Eriq Ebouaney) paladino del riscatto africano. Tra i due nasce subito una sintonia e si sviluppa un'attrazione fatale che sfocia in un rapporto adulterino che travolgerà come un ciclone Elena (Ambra Angiolini), moglie di Carlo, da sempre impegnata in attività umanitarie a favore del continente nero e che ha fatto del politicamente corretto uno stile di vita.

Nella sua ultima commedia Cristina Comencini racconta come di fronte a un tradimento, che colpisce nel profondo, ogni apparenza venga spazzata via per lasciare il posto a ciò che veramente si cela nell'intimo di una persona e portare a galla pregiudizi insospettati.

E se davanti al sentimento le differenze di colore si annullano non così avviene agli occhi di una società che, pur ergendosi a promotrice di valori d'uguaglianza ancora si nutre di luoghi comuni. Cliché, spaventosamente banali, ma anche spaventosamente reali, che ben emergono nel film e si concretizzano specialmente in una serie di personaggi secondari, un po' macchiettistici, la cui indole porta a inevitabili effetti comici. Tra tutti spiccano un Franco Branciaroli nei panni del padre "marpione" di Elena e una buffa Katia Ricciarelli nel ruolo della madre vedova e un po' svanita di Carlo.
Credibili i quattro interpreti protagonisti che ben mettono in luce le dinamiche generate in una coppia dal tradimento. Fabio Volo mette a frutto la sua ironia e vivacità animando il personaggio di Carlo e Ambra Angiolini, dopo l'esordio nel cinema d'autore con Saturno Contro, si conferma valida attrice nel dare voce al risentimento di moglie ferita che si trova a fronteggiare lati di sè che non credeva di possedere.
Poco convincente però il finale che, se opta per la felice conclusione del nuovo e incontenibile amore, simbolo di speranza per un futuro di vera integrazione, giunge però troppo repentinamente e a sorpresa, spiazzando lo spettatore rispetto al percorso psicologico compiuto fino a quel punto dai personaggi. Meglio sarebbe stato concludere il film al più coerente, anche se sofferto, ricongiungimento dei nuclei familiari iniziali o -per lo meno- non ignorare nel risvolto finale le reazioni dei rispettivi coniugi, già sufficientemente provati in precedenza e nuovamente abbandonati.

VOTO:/5

Non svegliate Cecile, è innamorata!

2008-01-11T17:43:00.000+01:00

Martedì 8 gennaio 2008 (dopo l'anteprima fuori abbonamento di lunedì 7 gennaio) alle ore 21 è andata in scena al teatro Fraschini la commedia Non svegliate Cecile, è innamorata!

Lo spettacolo, che inaugura la stagione pavese di "Altri Percorsi" e la ressegna di teatro comico "Il teatro che ride", nasce dalla penna del vignettista Gérard Lauzier e vede l'incontro di Elio De Capitani, alla regia, e Antonio Cornacchione nelle vesti di attore protagonista.
La storia racconta in tono ironico i dubbi e le vicende di una coppia che sta insieme da dieci anni. Francoise (Chiara Verzola) è ormai (in)decisa a lasciare definitivamente il compagno, che la tradisce e la trascura senza ritegno, per sposarsi con un altro uomo decisamente più rassicurante. Spinta (letteralmente) dall'amica Monique, che non vede di buon occhio il mascalzone al quale Francoise ha dedicato i migliori anni della sua giovinezza, la donna lascia l'appartamento nel quale hanno convissuto. A sua volta Alain (Cornacchione), dopo un'altra delle sue notti brave, torna a casa, accompagnato dall'inseparabile amico Roland (Gabriele Calindri), e, convinto che Francoise stia come sempre riposando nella stanza accanto, gli confida l'intenzione di lasciarla. Comincia così tra Alain e Roland -da sempre innamorato di Francoise, ma nonostante ciò fidato consigliere dell'amico- una serie di scambi di vedute e riflessioni sul rapporto di coppia, sull'amore, sull'amicizia e sulla volontà di impegnarsi che, tra una battuta e l'altra, coinvolgono anche il vicino di casa monsieur Chavignol (Giovanni Palladino), uno strampalato e sfortunato drammaturgo che intreccerà la sua strada con Cecile (Ylenia Malti) ex amante di Alain, il cui nome dà il titolo all'opera. L'indecisione sul futuro della coppia protagonista regna sovrana fino alla fine della commedia che, dopo equivoci e ripensamenti, vedrà la ricomposizione dell'unità familiare.
Il tema, che ben si presta a un'interpretazione comica e allo sfoggio di battute divertenti, non viene a mio parere sfruttato al massimo all'interno di questo spettacolo teatrale che fin dall'inizio parte con toni troppo caricati e a volte quasi eccessivi, con il risultato di mostrare forse troppo apertamente la ricerca dalla risata a tutti i costi.
La rappresentazione migliora con l'ingresso della coppia Alain-Roland, vivacemente e dinamicamente interpretata da Cornacchione e Calindri, che ben incarna le dinamiche intercorrenti nel rapporto d'amicizia maschile e gli atteggiamenti dell'uomo messo di fronte alla perdita di ciò che ormai considerava scontato.
Non mancano momenti simpatici e spunti ironici, specialmente quelli che coinvolgono l'esasperato vicino di casa, ma nel complesso il grado d'ilarità non supera il semplice sorriso.
La commedia paga probabilmente anche il prezzo di un'eccessiva durata (in relazione agli elementi introdotti) e di una patina caricaturale che a volte prende un po' il sopravvento e rischia di scadere in momenti di volgarità gratuita.
Da notare, invece, la bella scenografia (Carlo Sala) che ricostruisce l'interno di un appartamento parigino minimal-chic e che prende vita ben animata dagli intepreti che, con i loro movimenti e le loro azioni, la trasformano in un nuovo personaggio.

VOTO: /5

Il sogno del principe di Salina:l'ultimo Gattopardo

2007-12-23T15:19:00.000+01:00

E' andato in scena mercoledì 19 dicembre al Teatro Fraschini di Pavia il secondo appuntamento con lo spettacolo intitolato Il sogno del principe di Salina: l'ultimo Gattopardo con la regia di Andrea Battistini.

Il testo è liberamente ispirato agli appunti e alle lettere di Giuseppe Tomasi di Lampedusa ed è bene sottolinearlo -in positivo o negativo che sia- dal momento che in parte del pubblico serpeggiavano voci di scontento per la poca attinenza ai precedenti librario e cinematografico. Ammettendo che un confronto con l'originale e con la successiva trasposizione viscontiana sono probabilmente inevitabili, specialmente agli occhi di chi quelle pagine e quelle immagini conserva ancora nel cuore, e fermo restando il pieno diritto degli spettatori di compiere paragoni (rischio calcolato nella scelta di rapportarsi con un testo famoso e amato), non bisognerebbe -a mio parere- recarsi a teatro con altra prospettiva che quella di vedere e giudicare lo spettacolo per come si presenta, senza dimenticare che esso ha una sua autonomia e un suo valore che può essere gradito o no.

Lo spettacolo, attraverso la prospettiva del principe Fabrizio Corbera (Luca Barbareschi), affronta il delicato passaggio di consegne dall'antica nobiltà all'emergente e arricchito ceto borghese in occasione dello sbarco di Garibaldi in Sicilia in prospettiva dell'unificazione italiana. Il mutamento degli equilibri e degli interessi in una Sicilia immobile e sensuale è presentato più che da un punto di vista strettamente storico, da quello dei rapporti personali e privati che si dipanano tra i personaggi: il legame di don Fabrizio con Tancredi (Alfredo Angelici) il giovane nipote votato alla causa liberale che si innamora di Angelica, la bella figlia di un neo asceso al potere; il rapporto tra il principe di Salina e Calogero Sedara (Totò Onnis) padre della promessa sposa, ignorante ex-faccendiere arricchitosi e divenuto sindaco; la relazione di Fabrizio con l'amata moglie (Chiara Di Stefano) un po' bigotta che non riesce a comprenderlo fino in fondo e il vincolo di affetto che lo lega a Concetta (Dajana Roncione), la figlia rispettosa e orgogliosa che tanto gli somiglia e che unica conserva la fierezza del "gattopardo". Il tutto visto attraverso il filtro dell'ironia e del sarcasmo che non risparmia nemmeno la chiesa e che, a volte, raggiunge punte un po' troppo eccessive correndo il rischio di avvicinare l'opera un po' troppo a una commedia e di far perdere il senso di decadimento e spaesamento vissuti dal protagonista. Sentimenti questi che esplodono in momenti come il dialogo di don Fabrizio con la piccola prostituta Mariannina e il monologo finale precedente la morte del principe. In queste occasioni che arrivano quasi prepotentemente e in contrasto con i precedenti attimi di ilarità -dove solo occasionalmente traspariva una tristezza tenuta celata- il principe dà sfogo a tutto il suo orgoglio di animale ferito che si sente inadeguato nel limbo tra passato e futuro e che solo la morte può liberare da questa sensazione.
Luca Barbareschi dà vita a un don Fabrizio possente, fiero, pungente e a volte aggressivo, proprio come un esemplare della razza felina in via d'estinzione che dà il titolo al romanzo di Tomasi di Lampedusa, che si aggira in una scenografia accurata (Carmelo Giammello) -così come i costumi di Andrea Viotti- ma allo stesso tempo preda del vortice del tempo che corre veloce cambiando tutto perchè tutto rimanga com'è.

VOTO: /5

Hitman

2007-12-20T10:42:00.000+01:00

Da qualche settimana sugli schermi italiani, Hitman - pellicola ispirata all'omonimo videogioco, famoso in tutto il mondo- racconta la storia di un agente (Timothy Oliphant) di una segreta organizzazione internazionale dedita agli assassini su commissione e il cui organico è composto da bimbi e ragazzi orfani e abbandonati educati appositamente per diventare -una volta diventati adulti- perfetti ed infallibili sicari. 47, questo il numero identificativo del protagonista, è uno di loro e si trova coinvolto, durante una missione in Russia, in un complotto ai suoi danni che coinvolge la stessa agenzia a cui appartiene e i più importanti servizi segreti mondiali.

Tra combattimenti con le spade, sparatorie, appostamenti e inseguimenti immancabili per un film di questo genere, il regista Xavier Gens rimane fedele al videogioco nella scelta dell'abbigliamento impeccabile ed elegante (giacca e pantaloni neri, camicia bianca e cravatta rossa) del personaggio principale e nel posizionamento della macchina da presa che -proprio come nel videogame- frequentemente segue a distanza ravvicinata l'agente 47, mettendone in primo piano il cranio rasato tatuato con il suo codice a barre identificativo.
Il film sicuramente apprezzabile da un pubblico amante dei film d'azione, incentrati sulle rocambolesche scene di massacri e omicidi, e dagli appasionati della console non convice fino in fondo chi (come me) è completamente digiuno di videogiochi e non impazzisce per le scene di combattimento fini a se stesse. Nonostante il tentativo di fornire un substrato psicologico "umano" al protagonista con l'inserimento del personaggio di Nika (Olga Kurylenko) -giovane e bellissima prostituta che cerca di scalfire l'imperturbabilità dell'Agente 47- e nonostante l'introduzione di una personalità più posata e riflessiva (un "buono" come lo definisce lo stesso Agente 47) come quella del capo dell'Interpol (Dougray Scott), il film non va al di là di una superficiale caratterizzazione dei personaggi. Poco importano le vere motivazioni politiche e personali, ciò che conta è offrire un pretesto per sparatorie e agguati.
Anche se complessivamente il film non entusiasma (almeno me), non mancano tuttavia elementi di forza e spunti interessanti che avrebbero meritato maggior approfondimento. Tra i primi la scelta di far interpretare l'Agente 47 all'attore Timothy Oliphant che ben incarna il fascinoso, misterioso e impenetrabile assassino e la variazione delle ambientazioni che ci portano da San Pietroburgo, ad Istanbul, attraverso la Nigeria e non solo. Mentre per quanto riguarda il secondo punto merita una nota di rilievo l'inizio del film che, sulle note dell'Ave Maria di Schubert, racconta brevemente (forse troppo) l'addestramento degli agenti-bambini all'interno dell'organizzazione segreta, una maggiore attenzione al quale avrebbe probabilmente potuto evitare il rischio di far risultare Hitman un semplice trasferimento del videogioco sullo schermo.

VOTO: /5

Parliamone insieme: "Requiem for a dream"

2007-12-12T09:40:00.000+01:00

Si è concluso lunedì 10 dicembre il ciclo "Parliamone insieme". Protagonista del terzo e ultimo appuntamento, per affrontare il tema della droga, il film Requiem for a dream di Darren Arenofsky.

Probabilmente la più forte e impressionante delle tre proiezioni, la pellicola racconta la storia di quattro personaggi legati tra loro da legami familiari, affettivi o d'amicizia, le cui esistenze vengono devastate dall'uso della droga: Sara Goldfarb (Ellen Burstyn), madre sola e videodipendente che, per inseguire il suo sogno di un'apparizione televisiva, cade nell'abuso delle anfetamine; Harry Goldfarb (Jared Leto), suo figlio tossicodipendente, che aspira -insieme all'amico Tyrone (Marlon Wayans)- a diventare un importante spacciatore per poter guadagnare molti soldi e aprire un negozio di abbigliamento con la fidanzata, Marion Silver (Jennifer Connelly), anche lei cocainomane.
Il film, suddiviso in tre capitoli (Summer, Fall, Winter), segue la parabola discendente di questi personaggi dall'iniziale aspirazione alla felicità -in realtà solo l'inseguimento di una fragile illusione- al tragico epilogo finale che vede l'infrangersi di tutte le loro speranze.
Sebbene la scelta di questo film sia stata fatta principalmente, in questo contesto, per le provacazioni tematiche in esso contenute, è impossibile discuterne senza parlare di alcuni aspetti tecnici che contribuiscono in maniera fondamentale all'esposizione dell'argomento trattato. La pellicola, infatti, colpisce per la regia molto presente, ma non prepotente, che attraverso la scelta delle angolazioni, i numerosi movimenti di macchina e la sincronizzazione della colonna sonora contribuisce a rendere in maniera cruda e diretta l'ambiente della droga. E' soprattutto il montaggio, però, a ricoprire un ruolo preponderante: dalle vicende narrativamente parallele dei personaggi che, a tratti, vengono presentate altrettanto parallelamente sullo schermo diviso verticalmente a metà; all'accelerazione delle sequenze per comunicare l'eccitazione e lo "sballo" conseguenti all'uso di stupefacenti; da alcune accentuate ellissi temporali, al montaggio rapido, sincopato e sintetico con cui viene descritto il momento dell'assunzione della droga (cocaina sul piano di "lavoro", cartina arrotolata, vasi sanguigni, pupilla dilatata) e che si ripete sempre più frenetico col procedere del film...tutto coopera alla definizione di un quadro non apertamente violento o impressionante, salvo alcune immagini, ma non per questo meno tragico e angosciante.
L'intero film colpisce come un pugno allo stomaco, impossibile rimanere indifferenti (per usare una frase forse un po' inflazionata "o lo si odia o lo si ama") di fronte alla storia di queste vite distrutte dalla droga che solo apparentemente sembra apportare miglioramenti alle esistenze e fornire le basi per la realizzazione dei sogni dei protagonisti, ma che in realtà ne mina il fisico e lo spirito e li porta inesorabilmente verso un triste epilogo.
La droga e la dipendenza che essa provoca prendono il sopravvento sulle aspirazioni, sui desideri e sugli affetti; spingono ad umiliarsi, ad accettare compromessi e a perdere una parte di sè. Nemmeno l'amore riesce ad avere il sopravvento sull'astinenza da stupefacenti.
Nessuna speranza di riscatto traspare dal finale e un senso di angoscia pervade lo spettatore che impotente assiste allo sgretolarsi di queste vite.
Cosa ha portato questi personaggi a fare uso di droghe? La solitudine, la ricerca di una facile risposta ai propri problemi, il disperato desiderio di quella sicurezza "materna" ormai irragiungibile e ben raffigurata dalla posizione fetale che i personaggi assumono negli ultimi fotogrammi, l'ansia di non essere all'altezza delle aspettative della propria famiglia o della società? Come risponde la comunità alle persone che si "fanno"? In maniera indifferente, fredda e quasi cinica come gli esponenti dell'apparato sanitario o i tutori della legge che compaiono nel film? O con la triste e disperata impotenza delle amiche di Sara che, arrivate ormai troppo tardi per aiutare l'amica, si ritrovano a piangere davanti alla clinica in cui è rinchiusa?
Queste alcune delle domande su cui ci si è interrogati al termine della proiezione e che hanno animato la discussione su un film indubbiamente forte, ma che -a parer mio- ha il merito di presentare in modo non retorico ed edulcorato un tema del quale è giusto mettere in evidenza la crudezza.

Parliamone insieme: "28 giorni"

2007-12-04T09:27:00.000+01:00

Ieri 3 dicembre secondo appuntamento con il ciclo di film legato alle dipendenze, "Parliamone insieme", organizzato dal Gruppo Giovani della parrocchia di San Lanfranco (vd. post 27 novembre 2007). Tema della serata l'alcolismo, affrontato attraverso la visione di 28 giorni pellicola del 2000 di Betty Thomas.

Il film racconta la storia di Gwen (Sandra Bullock) che trascorre il suo tempo libero tra serate con gli amici e party scatenati dove scorrono fiumi di alcol e dai quali esce sempre ubriaca fradicia, come capiamo subito dai titoli di coda accompagnati da una colonna sonora vivace e da immagini rapide e caotiche che, però, ben sintetizzano la vita sregolata della protagonista.
Proprio in seguito a una di queste nottate folli, Gwen arriva tardi al matrimonio della sorella, caratterialmente al suo opposto, rovina il suo banchetto nuziale e finisce per schiantarsi con l'auto contro una casa.
Il giudice deciderà per lei il ricovero per ventotto giorni presso un centro di riabilitazione fuori città, diretto da uno Steve Buscemi (Cornell) ex alcolizzato redento, dove Gwen avrà modo di incontrare uno strambo gruppo di lavoro composto da personalità affette da diverse problematiche che hanno cercato una risposta ai loro disagi nelle droghe, nell'alcol o nei rapporti sessuali occasionali, tra loro anche un Viggo Mortensen (Eddie) pre Signore degli anelli .
Dopo un'iniziale ritrosia, primo elemento a determinare effetti comici divertenti, Gwen comincerà ad accettare l'idea di aver bisogno di aiuto e affronterà in maniera diversa il percorso riabilitativo.
Il film, pur essendo una commedia, riesce attraverso un tocco a volte cinico e amaro a descrivere compiutamente il tema delle dipendenze e delle conseguenze da esse generate. Vediamo così come l'alcol e le droghe, apparenti soluzioni ai più svariati problemi (difficoltà in famiglia, senso di abbandono, stress, bisogno di attenzione, desiderio di dimenticare, ricerca di una carica in più, volontà di sentirsi integrati in un gruppo e in un ambiente, mancanza di fiducia nelle proprie possibilità), conducano in realtà verso la distruzione totale che riguarda il fisico, la mente, il campo lavorativo e i rapporti interpersonali.
Passo più importante e più difficile da affrontare è l'ammettere di avere un problema e il decidersi a chiedere aiuto, imparando a fidarsi degli altri e a cercare la soluzione alle proprie ansie e paure dentro se stessi e non in un surrogato esterno.
Proprio questo è il percorso compiuto da Gwen. Pur tra una battuta e l'altra -che, a mio parere, non hanno la volontà di sminuire o minimizzare il problema, bensì solo di presentarlo in un tono più avvicinabile dai più, ma non certo meno tragico- numerosi sono gli spunti di riflessione che scaturiscono dal film e che hanno animato la discussione seguente alla proiezione.
Nel dibattito, oltre a interrogarsi sul film, sulle cause che possono portare a una dipendenza come quella dall'alcol e sulle tappe necessarie all'individuazione di questo disagio e alla sua soluzione, il dialogo si è poi spostato sul tema più circoscritto dell'uso eccessivo di bevande alcoliche da parte dei giovani e dei giovanissimi (categoria un po' trascurata da 28 giorni), argomento quanto mai attuale anche in realtà a noi molto vicine. Ci si è domandati quale sia la molla che spinge un adolescente a bere o a fare uso di droghe e diverse opinioni si sono confrontate: desiderio di sentirsi integrati, voglia di far parte di un gruppo, disagi familiari, emulazione di modelli di "successo o popolarità" o semplice curiosità e ricerca di evasione dalla noia. Si è discusso su quanti effettivamente rimangano poi casi sporadici di bevute in compagnia legate all'immaturità o quanti si trasformino poi in vere e proprie dipendenze; su come i ragazzi tendano a vantarsi di queste loro bravate a differenza della maggior parte degli adulti, che affetti da questo problema, se ne vergognano e tendono invece ad isolarsi.
Moltissime sarebbero le altre riflessioni da fare su un argomento tanto ampio che ci si è ripromessi di riaffrontare anche in altre serate di discussione.
Per concludere mi piacerebbe citare una frase del film che, per quanto ad alcuni possa apparire sdolcinata, retorica o forse inadeguata a un problema tanto grave, mi pare ben possa fornire un consiglio a coloro i quali cercano nell'alcol la soluzione al loro non sentirsi all'altezza delle situazioni e al non percepirsi integrati nella società: "Non diventare una frase fatta perchè sei poesia!"

Parliamone insieme: "California Split"

2007-11-27T09:34:00.000+01:00

Alla sua terza edizione, ieri 26 novembre ha ripreso il via l'iniziativa "Parliamone insieme" cineforum organizzato dal Gruppo Giovani della Parrocchia San Lanfranco di Pavia (Circolo ANSPI) in collaborazione con le parrocchie di SS. Salvatore, S. Maria di Caravaggio e Torre d’Isola e col Comitato di Quartiere Pavia Ovest.

Nato dalla volontà di questo gruppo di ragazzi (a cui anch'io appartengo) di confrontarsi e di discutere su alcune delle tematiche significative della società odierna e aperto all'intera comunità cittadina, il progetto quest'anno (dopo l'attualissimo tema dell'integrazione affrontato nel 2006) vuole rivolgersi all'argomento delle dipendenze e ha scelto di farlo attraverso la proiezione di tre film dedicati uno al gioco d'azzardo (California Split di R. Altman); uno all'alcolismo (28 giorni di B. Thomas) e uno alla droga (Requiem for a Dream di D. Aronofsky).

L'appuntamento è il lunedì sera (oltre all'ormai passato 26 novembre, i prossimi incontri sono previsti per il 3 e il 10 dicembre 2007) presso la Sala Riccardo Pampuri - Domus Pacis (Via S. Lanfranco 13) dove alle 20:45 il film verrà brevemente presentato e introdotto da uno dei membri del Gruppo Giovani, Alessandro Calvi, e dove alle 21 avrà inizio la proiezione.
L'ingresso al costo di 10 euro complessivi per i tre film (5 euro la singola serata) comprende anche l'iscrizione annuale al circolo ANSPI.
Al termine della visione segue un libero e spontaneo dibattito che, a differenza delle edizioni precedenti -a volte più incentrate sui risvolti registici, tecnici e stilistici del film- punta a concentrare l'attenzione sulle tematiche sviluppate dalla proiezione ed, in particolare, sulle conseguenze che una qualsiasi dipendenza può provocare nella vita di un uomo.
Vorrei concludere con una breve presentazione del primo film presentato. California Split è un'opera di Robert Altman del 1974 in cui il regista presenta magistralmente la vita di due "amici" appassionati del gioco d'azzardo (corse di cavalli, cani, poker, casinò...). In un clima amaro che si apre a tratti di comicità, seguiamo le esistenze di questi due uomini che vivono di espedienti tra un debito e l'altro e che sperano di risolvere tutti i loro problemi con una grande vincita. Vincita che alla fine arriverà al casinò di Reno, ma che li lascerà comunque insoddisfatti.
Le loro esistenze si incrociano con quelle di altri personaggi (giocatori, ricchi possidenti, prostitute, travestiti, ecc.) e ciò che ne emerge è un mondo fatto di urla, litigi, rapine, vendette e soldi e immerso nella solitudine. Difficile è comunicare e ogni ricerca di affetto e sentimento (si veda in particolare la figura della giovane prostituta Susan) sembra fallire così come fallimentare è, nonostante tutto, la vincita conclusiva.
Diversi tra loro -uno più spensierato e scapestrato Charlie Waters (interpretato da Elliot Gould) e l'altro più riflesssivo e tormentato Bill Denny (George Segal) - entrambi cercano emozioni nel gioco d'azzardo, ogni occasione è buona per scommettere (perfino una partitella di basket in un campetto di provincia), ma alla fine in Bill emerge il dubbio: ha vinto 82.000 dollari, ma non ha sentito niente... In questo finale aperto che si chiude con Bill che lascia le sale da gioco e sull'immagine simbolica di una ruota/roulette verticale che gira (forse una metafora della vita?) ognuno può vedere la propria interpretazione: Bill abbandonerà per sempre il gioco, avendo capito che non è lì che può trovare ciò che cerca? o tornerà, una volta finiti i soldi, all'azzardo? Charlie lo seguirà? O riprenderà la sua solita vita tra una rapina subita e una messa a segno?
Questi alcuni degli interrogativi che hanno animato la discussione seguita al film.
Mi sento di invitare tutti quelli che fossero interessati alla visione di questi film e ad uno scambio di opinioni sulla tematica della dipendenza a partecipare ai prossimi appuntamenti del cineforum che ritengo essere un utile e piacevole modo per confrontarsi.

Otello

2007-11-18T16:07:00.000+01:00

Riprende con l'Otello di Shakespeare la stagione di prosa al teatro Fraschini di Pavia. In scena il 15, il 17 e il 18 novembre la tragedia dell'autore inglese, scritta tra il 1602 e il 1603 e messa in scena per la prima volta nel 1604 alla corte di re Giacomo Stuart, è qui ripercorsa dalla regia di Roberto Guicciardini che dirige la Compagnia Sicilia Teatro.

Grazie alla traduzione di Masolino d'Amico, che rimane fedele al testo originale, ritroviamo la potenza dell'opera shakespeariana che narra le vicende del valoroso generale Otello che, innamoratosi della bella e virtuosa Desdemona, la sposa in segreto per poi trasferirsi con lei a Cipro, dopo aver sconfitto i Turchi su incarico del governo veneziano. Ed è proprio nell'isola che scoppia il dramma: Otello, lasciatosi influenzare da Iago, inizia a nutrire il sospetto che l'adorata Desdemona abbia una relazione extraconiugale con il luogotenente Cassio suo amico (Mirko Rizzotto). A nulla serviranno le parole della moglie per difendere la sua fedeltà e la sua virtù, ormai il dubbio si è insinuato nel Moro e il tarlo della gelosia ha corrotto tutto ciò che di puro e sincero nutriva il loro sentimento, portandolo a scorgere in ogni piccolo dettaglio una prova dell'adulterio. Fino al triste epilogo nel quale Desdemona, seppur innocente, trova la morte per mano dello stesso Otello che, una volta scoperto il tragico errore, si suicida.
Sebastiano Lo Monaco, con le sue innegabili doti attoriali -riscontrabili soprattutto nella capacità di tenere la scena e nell'abilità della modulazione vocale che va dalla potenza tuonante degli ordini impartiti ai sottoposti fino alle strozzate espressioni di un uomo vittima dell'irrazionale gelosia e della disperazione conseguente al ravvedimento- dà vita ad un coraggioso condottiero, capace di diventare anche un tenero amante, ma allo stesso tempo di trasformarsi in un irrequieto e folle marito geloso e assassino.
Come il "mostro verde-occhiuto che si beffa del cibo onde si pasce" riesce a impossessarsi di Otello? Centrale è la figura di Iago, interpretato da Massimiliano Vado che presta corpo e voce ad un finto amico che, invidioso del successo di Cassio, nominato nuovo luogotenente, e adirato per un presunto tradimento della moglie con Otello stesso, ordisce un diabolico piano per vendicarsi. Facendo leva sulle insicurezze di Otello (il suo non sentirsi fino in fondo accettato dalla società per via del suo colore, il considerarsi troppo vecchio e poco adatto per una donna così bella...), Iago riesce a far credere all'uomo, attraverso stratagemmi e inganni, che la sua amata non gli è fedele. Falso indizio dopo falso indizio le convizioni di Otello vacillano e il suo orgoglio ferito riversa tutta la sua rabbia su Desdemona che l'attrice Marta Richeldi ben rappresenta come una figura angelica, virtuosa e completamente dedita al marito, che non riesce a capacitarsi del mutamento improvviso dell'amato e che nonostante la sua innocenza rimane docile ai voleri del marito, fino ad incorrere in un destino di morte.
Superato il parziale ostacolo di un'ampia durata, lo spettacolo ben mette in luce lo svilupparsi del sentimento della gelosia che riesce a minare anche gli animi apparentemente più forti, alimentando e ingigantendo fantasmi e paranoie. Ecco così che anche anche un grande amore scivola sulla china del sospetto, così come i due cadaveri di Otello e Desdemona scivolano -nel finale- sull'inclinazione della pedana lignea che costituisce l'elemento principale della scenografia, firmata da Piero Guicciardini, e che di volta in volta diventa piazza veneziana, nave, spiaggia, isola o talamo nuziale, a seconda delle prioiezioni sul telo retrostante il palco. La semplicità della scenografia, bilanciata dall'accuratezza dei costumi (Maurizio Millenotti), nulla toglie alla pregnanza degli elementi visivi che accompagnano l'evolversi degli eventi.
Piacevole anche il fuori programma che nella seconda serata ha visto protagonista Sebastiano Lo Monaco che, smessi i panni di Otello e rivestiti quelli del cabarettista, dopo gli applausi finali, ha interagito col pubblico in un'ironico scambio di opinioni sullo spettacolo e tra una frecciatina alla critica teatrale locale e alla Pavia nordica di un decennio fa, ha saputo ancora una volta mettere in risalto il suo talento istrionico.

VOTO: /5

Le onde del cuore

2007-11-12T13:59:00.000+01:00

Premettendo che il mio blog solitamente si occupa di film o spettacoli teatrali, questa volta voglio fare un'eccezione parlando di un libro. Non capita tutti i giorni di vedere un caro amico riuscire a raggiungere un'obiettivo importante come la pubblicazione di un proprio scritto e visto che questo è proprio quello che è successo (per ben due volte) ad Andrea Antoniotti, desidero omaggiarlo con questa mia breve recensione per fargli sapere quanto sia contenta per lui e -nel mio piccolo- per fargli un po' di pubblicità.

Mercoledì 14 novembre Andrea sarà a Roma per promuovere il suo secondo libro "Storie di tatuaggi", che verrà presentato anche nel suo paese di nascita (Gropello Cairoli, PV) sabato 1 dicembre 2007, e in attesa di poterlo leggere e recensire ho pensato di iniziare a parlare qui della sua opera prima "Le onde del cuore".

Il libro, pubblicato nel marzo 2007 per le Edizioni Penna d'Autore di Torino, si è classificato tra i semifinalisti del premio Letterario Internazionale 2006 "Trofeo Penna d'Autore" ed è acquistabile online (http://www.pennadautore.it/biblioteca/narrativa2007/antoniotti.htm) al prezzo di 8 euro.
Si tratta di un romanzo breve incentrato su un ragazzo che, in prima persona, racconta la sua storia e quella del suo gruppo di amici alle prese con un momento importante della loro vita: la decisione di abbandonare il porto sicuro della routine, delle abitudini e dei clichè di un piccolo paese per trovare il coraggio di inseguire i propri sogni e le proprie inclinazioni e di riscoprire il proprio rapporto con Dio.
Sulla scia di una trama che ricorda il classico romanzo di formazione, ma senza eccessive pretese di grandezza, in una prosa scorrevole, il cui unico appunto può essere fatto ad alcune scelte lessicali non ancora giunte al pieno della maturità, Andrea Antoniotti riesce con un tocco delicato a seguire questo gruppo di ragazzi che, nella semplicità delle loro esistenze, si trova ad affrontare i dubbi e le difficoltà della vita di tutti i giorni connessi al non sempre semplice passaggio all'età adulta: il protagonista che, stufo dell'impiego d'ufficio e dell'immaturità di certi comportamenti, si decide a cambiare lavoro, incontra l'amore e riesce dopo le iniziali resistenze a superare il blocco dello scrittore; Fabio che, dopo un pellegrinaggio a Santiago, ritrova se stesso, rinsalda il proprio rapporto di coppia e trova un'occupazione che gli permette di esprimersi al meglio; Daniele che insegue all'estero il suo sogno di diventare giocatore di rugby; Emilio che supera i suoi timori e va a vivere da solo e Paolo che, dopo essere stato costretto a rinuciarvi per cause di forza maggiore, riprende il suo percorso verso la carriera calcistica professionale. Storie e caratteri diversi, ma accomunati dal medesimo obiettivo: scoprire quale tipo di mare agita il proprio cuore per riuscire a seguire la propria vera natura, per assecondare il moto ondoso delle proprie passioni e delle proprie necessità.
A chi avanzasse qualche dubbio sulla credibilità di una serie di storie che si avviano tutte verso il lieto fine e che paiono animate da una positività e da un ottimismo che a qualcuno possono sembrare eccessivi o fuori dal mondo, rispondo che nel libro è chiaramente riscontrabile (e in questo sono avvantaggiata, conoscendo personalmente l'autore) una nota autobiografica che permea tutte le esperienze narrate e che si fa garante della veridicità dei sentimenti, delle emozioni e degli stati d'animo che -punto di forza del racconto- sono abilmente e puntualmente descritti nel corso del racconto, che ben riesce a rendere i dubbi, le paure e le insicurezze dei personaggi. Nella narrazione non mancano gli accenni a momenti difficili e ad ostacoli che si presentano lungo il cammino di questi ragazzi, ma che riescono fortunatamente a essere affrontati facendo affidamento sulla forza dell'amicizia e della fede.
E in un periodo in cui siamo bombardati dal fiume di notizie che mettono in luce solo -o quasi- quello che di brutto o meschino possono fare i ragazzi alle prese con le innegabili difficoltà della crescita e della vita, non vorrei che questo libro venisse etichettato come un racconto edulcorato che fugge dalla realtà, perchè -a mio parere- è invece un esempio necessario di come si possa scegliere una strada alternativa, forse controcorrente, ma che che porta i suoi frutti.
Il messaggio di "Le onde del cuore" non vuole con questo esprimere nessun giudizio di merito o di valore sui diversi modi di affrontare il mondo, ma solo lanciare una testimonianza e una speranza.
E non trovo modo migliore per concludere che con alcune delle parole di Andrea, tratte dal romanzo, che vogliono essere un augurio per lui:
"Ascolta il rumore della Vita, emoziona il tuo cuore e scrivi pagine indelebili per coloro che saranno disposti ad aprire l'anima al Mondo."

Molto incinta

2007-10-29T16:04:00.000+01:00

Katherine Heigl, nota agli appassionati di telefilm come la dottoressa Izzie Stevens di "Grey's Anatomy" e, ancora prima, come l'affascinante extraterrestre nella serie "Roswell, arriva sul grande schermo nella commedia Molto incinta di Judd Apatow dove interpreta la parte di Alison Scott, promettente giornalista televisiva che, insieme al giovane e scansafatiche Ben (Seth Rogen, già presente nel film "40 anni, vergine" diretto dallo stesso regista) si trova ad affrontare un'inaspettata gravidanza.

I due, incontratisi in un club in occasione dei festeggiamenti per la promozione di Alison, in preda ai fumi dell'alcol finiscono a letto insieme la stessa sera e imparano a loro spese le conseguenze di un rapporto occasionale senza precauzioni.
Contrariamente a quella che si presenterebbe per molti -almeno oggi- come la soluzione più pratica e "indolore" (almeno apparentemente), Alison e Ben decidono di tenere il bambino, nonostante le naturali incertezze, e cominiciano pian piano la loro conoscenza reciproca.

In un montaggio alternato, che viene impiegato fin dall'inizio del film per la presentazione dei due protagonisti, vediamo svilupparsi sullo schermo la descrizione di due mondi totalmente agli antipodi: quello di Alison prototipo della donna in carriera educata e rispettosa che vive in un bel quartiere in una casa accogliente e quello di Ben allergico alle responsabilità che sopravvive dei pochi spiccioli rimanenti di un'assicurazione per un infortunio, insieme a un branco di amici strampalati e irresponsabili con i quali fuma erba, beve e progetta di gestire un sito dove è possibile scoprire a quali minuti dei film corrispondono delle scene di nudo femminile.
Queste due atmosfere e questi due caratteri apparentemente inconciliabili sono costretti a relazionarsi e a trovare punti di contatto per il bene del futuro nascituro. Non sarà facile, ma tra una visita dal ginecologo, un giro nel reparto maternità e infanzia di librerie e negozi e un'uscita con una coppia (la sorella di Alison e il marito, genitori di due vispe bambine) che, almeno teoricamente, dovrebbe aiutarli ad affrontare gli imprevisti e le avventure famigliari e che in realtà fa nascere il loro solo altri dubbi e paure, Alison e Ben riescono, dopo vari ripensamenti, a trovare la loro dimensione comune ed ad affrontare insieme il parto, punto di inizio di una nuova vita (e non solo per il bebè) che noi non vediamo, ma che possiamo immaginare il più possibile felice (nonostante le ovvie difficoltà che i due, anzi tre, come famiglia, si troveranno ad affrontare.

La innegabilmente bellissima Katherine Heigl ben mette in luce le sue capacità interpretative attraverso le quali dà vita, con tono ironico, ma credibile, alle incertezze, alle ansie e alle manie (si veda la "sofferta" scelta del medico a cui affidarsi) di una futura mamma che non sa come affrontare la prossima gravidanza, che vede i suoi piani sconvolti (anche se il fatto di essere incinta alla fine non le impedirà di proseguire con successo il suo lavoro) ed è spaventata dal fatto di affrontare tutto questo con un quasi sconosciuto partner, a cui Seth Rogen ben offre il volto di un eterno e insicuro bambinone, capace però di fare la scelta giusta nel momento del vero bisogno.
Il film racconta realisticamente, senza falsi moralismi e a volte in maniera un po' cruda -riprova ne sono i commenti e i mugolii, specialmente dei signori maschietti presenti in sala, di fronte alle scene non censurate del travaglio- le fasi della gravidanza e l'avventura di questi aspiranti genitori che sono seguiti passo passo con il risultato di 126 minuti di montato, da alcuni giudicati eccesivi, ma cheio ritengo essere funzionali all'approfondimento delle personalità dei personaggi e alla restituzione di quel tempo di paziente attesa che è la gestazione.
Il film, che nasce come commedia, potrebbe deludere chi si aspetta solo scoppi di ilarità incontenibile; le battute certo non mancano e nemmeno le risate, che nascono più dalla goffaggine di due giovani alle prese con un mondo sconosiciuto che da una volgarità a volte un po' eccessiva di certi spezzoni, ma non sono la parte preponderante della pellicola che, pur mantenendo uno sguardo lieve e non pretenzioso, offre spunti di riflessione sulle inevitabili trasformazioni che subisce una vita di coppia all'arrivo di un bambino e delle responsabilità che esso comporta; sulla stanchezza e l'incomunicabilità che può crescere tra due coniugi dopo anni di matrimonio e sulla consapevolezza delle proprie azioni e delle loro conseguenze.

Sebbene spesso il ritratto della famiglia che ne esce sia tutt'altro che rassicurante, uno spiraglio di speranza si irradia dalla scelta del lieto fine e dalla serie di fotografie, rappresentanti i membri del cast con i loro figli, che scorrono sui titoli di coda, perchè in fondo (ma questa è una mia opinione, probabilmente influenzata dall'esistenza dei miei due bellissimi nipotini, che esula dall'analisi del film,) -pur senza essere sognatori o poco concreti- una vita che nasce è pur sempre un dono.

VOTO: / 5

Ratatouille

2007-10-21T16:14:00.000+02:00

La Disney/Pixar regina dell'animazione digitale torna sugli schermi con la storia di un simpatico e tenero topolino di nome Remy che ha come grande passione la cucina. Remy cresciuto insieme alla sua famiglia nella campagna parigina scopre di avere un dono: riconoscere la qualità degli alimenti e saperli combinare per creare gusti esaltanti.

Il suo strambo fratello, un buffo topone paffuto e affettuoso che ingurgiterebbe di tutto, e il padre "tradizionalista" non comprendono queste sue doti, ma il piccolo roditore, stanco di cibarsi di rifiuti, non riesce a stare lontano dalla sua passione e, di conseguenza, dalla cucina di un'anziana signora dalla quale può assistere alla trasmissione tv di uno degli chef più famosi di Parigi, Auguste Gusteau, che si fa portatore di un messaggio positivo "tutti possono cucinare...non bisogna mai abbandonare i propri sogni" e il cui ricettario diventerà il libro sacro del topolino.

Ma proprio durante una di queste incursioni nel mondo degli umani, Remy viene scoperto dall'arzilla vecchietta che caccia l'intera colonia dalla sua proprietà.
Dopo una rocambolesca fuga, il roditore si trova, separato dalla sua famiglia, nella meravigliosa Parigi che -anche se in versione cartoon- non perde nulla del suo magico fascino, proprio di fronte al ristorante di Gusteau, morto anche in seguito ad una recensione crudele del temuto critico culinario Anton Ego.
E qui inizia l'avventura staordinaria di Remy che incontra Linguini, un imbranato e goffo ragazzo appena assunto come sguattero nel ristorante che si scoprirà essere il figlio naturale di Gusteau e che, nonostante la sua totale negazione per i fornelli, per un equivoco, si trova a dover dimostrare a tutti di saper cucinare.
In suo aiuto viene appunto Remy che, accompagnato dallo spirito di Gusteau e nascondendosi sotto il cappello del giovane, lo guida nella preparazione dei piatti e può dare libero sfogo alla sua fantasia creativa.
Nonostante le ostilità del nuovo chef Skinner, un ometto scontroso che vuole guadagnare sull'immagine di Gustau associata a piatti pronti surgelati, le portate saranno così apprezzate dai clienti che la stampa tornerà a parlare del ristorante, incuriosendo perfino Ego che decide di dare una possibilità a questo talento emergente.
In seguito ai successi e alle derivanti pressioni, per il nervosismo il rapporto di fiducia e amicizia tra Linguini e Remy si incrina e il sodalizio si interrompe proprio alla vigilia della prova più importante: il temuto giudizio di Ego. Per fortuna, però, le incomprensioni si appianano e il topolino, accompagnato dall'intera colonia con cui si è ricongiunto, raggiunge Linguini e prepara una ratatouille, un piatto semplice ma gustoso composto di verdure, che riesce a colpire piacevolmente Ego riportandolo, un po' come una madeleine proustina, alla sua infanzia quando la mamma con amore gli preparava lo stesso piatto.
Alla fine Remy, nonostante l'incredulità iniziale, verrà rivelato come il vero cuoco di tutte quelle prelibatezze e nonostante l'eccellente recensione di Ego -contenente anche una interessante e acuta riflessione sulla critica e i suoi poteri, che dovrebbe far riflettere molti critici (non solo culinari) di professione- il ristorante verrà chiuso dall'ufficio d'igiene. Il successo è comunque stato raggiunto, insieme con la realizzazione dei sogni di Remy che, insieme a Linguini e ad altri amici cuochi, può finalmente aprire un proprio ristorante, sul tetto del quale è presente anche una zona riservata ai roditori.
Anche coloro che provano ribrezzo per quegli esserini squittenti, non potranno non apprezzare il nuovo lavoro di Brad Bird che, assumendosi il rischio di portare tra i fornelli un animale non proprio simpatico ai più, ha centrato l'obiettivo raggiungendo un grande successo.
Un film piacevole, non solo per i bambini, che ci fa viaggiare in ambienti perfettamente ricostruiti attraverso le condutture, i solai e i sotteranei di Parigi da un lato e la Parigi nello stesso tempo romantica, artistica e caotica per il traffico, abitata da amanti della buona cucina e dei piaceri della vista; tra comprimari ben caratterizzati (si vedano i membri dello staff del ristorante tra cui meritano una menzione il cuoco excarcerato e Colette, unica rappresentante del sesso femminile in un mondo difficile dominato dai pregiudizi maschilisti) e interessanti spunti di riflessione (l'importanza di seguire e difendere i propri sogni, la competizione, la fiducia nel nuovo e nel diverso, la forza che nasce dal sostegno della propria famiglia e dall'unione delle singole iniziative e molto ancora).
Dopo altri famosi topolini cartoon di alcuni classici Disney come Cenerentola e Bianca e Berny, ecco Remy un intelligente, educato e dolce topo, fiducioso verso il genere umano tanto temuto dal padre, che grazie alle nuovissime tecniche digitali riesce quasi a sembrare reale (si veda ad esempio la consistenza del pelo che si adatta alle diverse situazioni: al naturale, bagnato, colpito da un fulmine...) e a diventare espressivo come un attore in carne e ossa, muovendosi sulle note di una curatissima colonna sonora tra formaggi, verdure, frutte, spezie, salse e zuppe dalle consistenze e dai sapori che sembrano concreti.
Impossibile uscire dal film senza avere appetito e senza il desiderio di mettersi a cucinare, convinti del fatto che, se anche un topolino è riuscito a coronare i suoi desideri e a diventare uno chef, allora tutti abbiamo una speranza di imparare a cucinare...perfino io! :)

P.S. Una nota non può non andare al notevole cortometraggio cartoon che precede il film e che vede protagonista un imbranato extraterrestre che, assistito da un tutor, si esercita con scarsi risultati nel rapimento di un umano...complimenti agli sceneggiatori per l'idea originale e le trovate divertentissime.

P.P.S. Merita una visita anche il sito del film http://www.disney.it/Film/ratatouille

VOTO:/ 5

Hairspray

2007-10-06T14:41:00.000+02:00

Dopo l'intramontabile successo di Grease, John Travolta torna di nuovo in un musical il cui titolo ruota ancora una volta attorno ad un prodotto per capelli, questa volta si tratta della lacca che in Hairspray viene usata in quantità industriali da uomini e donne per fissare le cotonate e elaborate acconciature.

Nel film diretto da Adam Shankman, remake della commedia di John Waters del 1988 dal titolo "Grasso è bello", John Travolta interpreta il ruolo di Edna, una simpatica casalinga sovrappeso la cui altrettanto in carne figlia Tracy (Nikki Blonski) desidera con tutto il cuore entrare a far parte del "Corny Collin's Show", una trasmissione televisiva incentrata sul ballo e la musica che va in onda tutti i pomeriggi su una rete locale di Baltimora.
Sulla strada verso il coronamento del suo sogno trova però un ostacolo, anzi due: Velma l'arrivista e senza scrupoli direttrice della rete televisiva, interpretata da una sempre affascinante Michelle Pfeiffer, e la figlia Amber (Brittany Snow) reginetta della trasmissione e favorita al concorso di Miss Lacca, entrambe simbolo di una società nutrita di pregiudizi fisici e razziali.
Sì, perchè la vicenda si svolge agli inizi degli anni Sessanta quando in America non è ancora avvenuta l'integrazione tra bianchi e neri e i primi passi in questo senso sono appena incominciati.
La giovane Tracy, certo non corrispondente al modello di bellezza della pin up, dominante all'epoca, ma dotata di grande talento nella danza e nel canto, riesce finalmente, anche grazie all'aiuto dei suoi amici di colore, ad entrare nel cast del programma e a convincere la madre a superare i suoi timori sul giudizio della gente, a farle da agente e ad uscire di casa, dopo dieci di anni di reclusione.
Il suo successo, però, interferisce con i disegni di Velma che per dimostrare la sua autorità e per vendicarsi delle provocazioni di Maybelle, una prorompente e carismatica conduttrice di colore perfettamente interpretata dalla bravissima e potente cantante Queen Latifah, abolisce il "negro day" (l'unica giornata della settimana in cui ai neri e permesso di ballare, rigorosamente separati dai ragazzi bianchi) dallo show.
E' giunto il momento di prendere apertamente una posizione e Tracy è in prima fila a sfilare con i suoi amici di colore per protestare contro la loro cancellazione dal programma, ma non solo...anche nella speranza di una loro futura integrazione nella società. Il corteo si imbatte nella polizia, Tracy colpisce con un cartello -che nei notiziari diventerà una pesante spranga di ferro- uno dei poliziotti ed è costretta a fuggire, diventando una ricercata e rifugiandosi a casa di Maybelle.
Nel frattempo giunge il momento della puntata principale del "Corny Collin's Show", quella in cui verrà eletta la reginetta della lacca e lo studio tv è presidiato dalle forze dell'ordine che hanno il compito di controllare che Tracy non si intrufoli. Ogni loro sforzo si rivela però inutile, perchè la ragazza riesce a entrare nella sede della tv, attraverso un ingegnoso piano ideato da Maybelle con l'aiuto di numerosi complici, tra cui Edna e suo marito Wilbur -un singolare proprietario di un negozio di scherzi divertenti, impersonato da un simpatico Christopher Walken, che ha sempre creduto nelle potenzialità della figlia e l'ha sempre spronata nell'inseguire i suoi sogni.
Tracy fa la sua comparsa nella diretta tv, vestita in un perfetto stile anni Sessanta (abito optical e capelli dritti e liscissimi) che simboleggia il nuovo che avanza e la sua definitiva rinuncia all'omologazione con un ambiente in cui in fondo non si era mai riconosciuta e nel quale aveva cercato di essere accettata anche attraverso una gonfia e perfetta cotonatura.
La ragazza rivela le vere intenzioni di Velma che aveva truccato il concorso e viene licenziata; rompe gli schemi, coinvolge nelle danze tutti i ragazzi di colore e la giovane figlia di Maybelle che, sbaragliando la concorrenza di Amber, vince la fascia di Miss Lacca.
Alla fine anche le trame del cuore trovano degna conclusione dal momento che Tracy riesce finalmente a coronare il suo amore con il ragazzo dei suoi sogni Link, ballerino protagonista della trasmissione (interpretato dal tanto amato dalle adolescenti Zac Efron, già protagonista di High School Musical), e la sua migliore amica la "bianca" Penny (Amanda Bynes) porta alla luce del sole -o sarebbe meglio dire dei riflettori- i suoi sentimenti per Seaweed (Elijah Kelley) il figlio "nero" di Maybelle.
Questa la trama di Hairspray che si sviluppa in un turbinio di musiche e canzoni coinvolgenti.
Complessivamente positivo il mio giudizio su questo musical che se, a mio parere, parte un po' lento nella prima parte, si riprende alla grande e trova il suo apice nella figura di Edna, credibilmente interpretato da John Travolta che, dopo cinque ore di trucco, con una pesante tuta al gel e cinque protesi facciali, si trasforma in una donna il cui grande peso non le impedisce di esibire le sue qualità danzerine e le sue capacità seduttive da cui il marito è ancora attratto dopo molti anni. Di rilievo è anche l'interpretazione di Queen Latifah, l'alter ego color cioccolato di Edna, che veste i panni di una coraggiosa amante del cibo piena di personalità.
Vivace nei colori, negli abiti, nelle scenografie Hairspray replica il successo del suo precedente di celluloide e del musical di Broadway, ed è destinato per successo di pubblico ad entrare nella rosa dei musical preferiti del grande schermo.

VOTO:/ 5

Un'impresa da Dio

2007-09-30T14:48:00.000+02:00

Come vi sentireste se una mattina vi svegliaste e tutto vi rimandasse al capitolo 6, versetto 14 del libro della Genesi ("costruisci un'arca di legno resinoso")? Se Dio vi apparisse e vi ordinasse di costruire una gigantesca imbarcazione e vi facesse trovare nel giardino di casa tutto l'occorrente? E se, ancora incapaci di capire cosa stia accadendo, coppie di animali delle più svariate specie vi seguissero mentre andate al lavoro?

Questo è proprio ciò che succede in "Un'impresa da Dio" a Evan Baxter neoeletto onorevole al Congresso che, insieme alla famiglia, si trasferisce da Buffalo alla Virginia del Nord nel tranquillo quartiere di Prestige Crest, frutto della speculazione edilizia.
L'ex giornalista, abbandonata la carriera televisiva, vorrebbe dedicarsi alla politica e all'approvazione di una legge sullo svincolo dei terreni demaniali proposta da un collega -l'onorevole Long- che nasconde desideri di guadagni illeciti, se una volontà superiore non glielo impedisse, costringendolo a indossare i panni di moderno Noè e aiutandolo ad avverare il proposito che gli aveva fruttato la vittoria nella campagna elettorale e cioè quello di cambiare il mondo.
Steve Carell, l'attore diventato famoso nella commedia "Quarant'anni vergine" e nell'agrodolce "Little Miss Sunshine", torna nuovamente diretto da Tom Shadyac nello spin off del precedente "Una settimana da Dio" con protagonista Jim Carrey, diventando qui il personaggio principale che si trova alle prese con un affettuoso e premuroso, ma anche un po' dispettoso Dio -simpaticamente interpretato da Morgan Freeman- che lo segue ovunque, si diverte a fargli crescere immediatamente la barba appena rasata e insiste a fargli vestire tuniche, a dir poco, "fuori moda", come giusto contrappasso per un maniaco dell'immagine la cui esilerante e minuziosissima preparazione mattutina di sopracciglia e narici merita una menzione. Tutto per far capire al suo prescelto che non è con le apparenze o con i grandi gesti che si mutano le situazioni, ma con "atti di reale e cortese affetto" (A.R.K = Act of Random Kindness).
Alla fine Evan Baxter capitolerà e comincerà a costruire insieme ai figli la sua arca, non senza qualche infortunio, nonostante l'ausilio di un manuale di costruzione di arche per principianti (una traduzione italiana che non rende a pieno l'originale più azzeccato e ridicolo "dummies"= idioti).
Ma la gente del posto non comprende la missione che Dio gli ha affidato, non crede alla previsione di un nuovo diluvio e lo considera fuori di testa e certo il look da cantante rock trasandato, le sue uscite inconsuete e le previsioni metereologiche non sono d'aiuto...
Perfino la moglie Joan, impersonata da Lauren Graham (che anche qui riveste oltre a quelli di consorte anche i panni di una premurosa e presente "mamma per amica"), si spaventa di fronte al cambiamento radicale del marito e credendolo depresso decide di andarsene di casa per portare i tre figli al sicuro dalla nonna. Durante il viaggio, però, uno strano incontro con un cameriere d'eccezione le fa capire che non sempre le nostre preghiere vengono esaudite come ci aspetteremmo e che se, ad esempio, noi chiediamo pazienza il Signore non ci darà pazienza ma l'occasione per dimostrarla così come se noi chiediamo che la nostra famiglia sia sempre unita nell'amore (proprio la preghiera che Joan ha espresso all'inizio del film) allora Dio ci offre la possibilità di dimostrare in prima persona quell'amore magari anche attraverso momenti difficili. Joan allora comprende e torna con i ragazzi dal marito per aiutarlo a terminare l'arca in tempo per l'inondazione.
Il 22 settembre, termine previsto per il diluvio arriva, gli animali sono tutti imbarcati, ma dal momento che il cielo non preannuncia alcuna tempesta -se non una breve pioggerella- nessuno prende sul serio gli inviti di Evan a salire sulla barca e l'onorevole Long minaccia di distruggere l'arca col pretesto che, con la sua costruzione, si sono infrante le norme del protocollo, in realtà perchè il mutamento del collega ha interferito con i suoi loschi piani.
Perfino la famiglia Baxter tentenna nelle proprie convinzioni, fino a quando Evan capisce che l'inondazione non verrà dal cielo, ma dalla diga di Long Lake, voluta dall'omonimo onorevole e mal progettata. Ad un tratto il muro di cinta del bacino crolla e solo a quel punto la gente si convince a salire sull'arca, trovando la salvezza dalla furia delle acque che distruggono l'intero quartiere. Comincia così una cavalcata sulle onde che porta il poderoso manufatto di legno proprio nella sala del Congresso dove sta per essere approvato il disegno di legge di Long che, però, vista la situazione viene abbandonato.
L'avventura è finita e Evan ha finalmente il tempo di fare un'escursione campestre con la famiglia che si conclude con la spassosa danza "rituale" di Baxter, questa volta eseguita insieme a un'autoironico Dio in persona.
Meritano un accenno anche alcuni dei numerosi personaggi di contorno che con le loro battute e particolarità rendono più vivace il film: il piccolo figlio Ryan Baxter, appassionato di documentari sugli animali, che snocciola le sue bizzarre conoscenze in contesti non sempre appropriati e il composito trio di assistenti di Baxter: Rita la premurosa e spiritosa segretaria personale; Marty assistente fidato, iper attento agli impegni di lavoro e infine l'informatissimo, ma altrettanto inconsueto giovane, Eugene che è "innamorato" del suo capo e che vorrebbe tanto assomigliargli (anche quando e nonostante Baxter sfoggi un'improbabile treccina alla barba).
E mi raccomando non abbandonate la sala alla fine del film per non perdervi le immagini del cast -animali compresi- e delle riprese del film accompagnate da una movimentata colonna sonora che fa venire voglia di mettersi a ballare.
Che dire complessivamente di questo film? Una piacevole commedia, per trascorrere una divertente e spensierata serata. Lungi da eccessive pretese, nascendo con l'intento primario di mettere a frutto le qualità comiche di Steve Carell e di offrire allo spettatore una serie esileranti situazioni condite con buffe performance di animali magistralmente addestrati, "Un'impresa da Dio" certo non pretende di ergersi a baluardo di una profonda riflessione spirituale, ma offre comunque, con la sua storia e con alcuni spunti, messaggi positivi: il valore di una famiglia unita, di un piccolo gesto disinterassato, l'importanza della fiducia reciproca...principi accusati da alcuni critici di essere frutto, nel film, di considerazioni a volte un po' scontate e superficiali, ma sempre e comunque -a mio avviso (sono forse troppo sentimentale?)- validi e necessari. In un periodo in cui molti film tralasciano il lato positivo della vita e mettono in rilievo solo le negatività e le brutture umane, che purtroppo esistono, perchè non accennare al fatto che non bisogna abbandonare la speranza e che, anche se pian piano, qualcosa può cambiare? Se questo poi avviene mentre ci godiamo qualche sana risata perchè no? In fondo l'importante è avere fede........

VOTO:/ 5

Il cinema muto al museo

2007-09-29T11:26:00.000+02:00

Per una notte, ieri 28 settembre 2007, il Museo della Tecnica Elettrica di Pavia si è trasfomato in cinema per offrire al pubblico una serata speciale.

Gli spettatori, infatti, hanno potuto rivivere una perfetta serata cinematografica anni Venti attraverso la proiezione di due film dell'epoca muta accompagnati da musica dal vivo.
L'iniziativa, nata su proposta della Regione Lombardia e grazie al lavoro di restauro della Fondazione Cineteca di Milano, ha permesso di riscoprire, anche attraverso la presentazione del professor Nuccio Lodato docente di storia del cinema all'Università di Pavia, due gioelli del cinema antecedente al sonoro: Il centauro alato (Fast and Furious) e Corsa automobilistica di Monza.

Il primo è un film di Melville Brown del 1926, una simpatica commedia ambientata nel mondo dei motori che propone settantaquattro minuti di divertenti equivoci che hanno come protagonista il giovane Tom Brown che, in seguito a un incidente stradale, incontra e si innamora di una ragazza figlia del proprietario di una scuderia automobilistica. Una volta rimessosi dalle fratture dell'incidente, che gli ha però lasciato il terrore delle automibili, Tom decide di recarsi in California per ritrovare la sua bella, ma è proprio in questa occasione che, convinto da uno scultore amico della giovane, si trova coinvolto in uno scambio di identità che, ironia della sorte, lo porta a vestire i panni George Billings famoso pilota di macchine da corsa. Nonostante la sua riluttanza, Tom si trova costretto a fingersi Billings per riacquistare la fiducia del padre della ragazza e, per poter ottenere la mano della sua innamorata, si vede anche obbligato a partecipare ad una gara automobilistica. Tra divertenti rivalità, mariti traditi, poliziotti ingannati, clacson (o corni come venivano chiamati allora) suonati e letterali prese per il naso il film si muove con un ritmo dinamico e veloce verso una conclusione a lieto fine.
Corsa automobilistica di Monza è, invece, un documentario della durata di circa quindici minuti girato all'autodromo di Monza in occasione della finale del Gran Premio di automobilismo del 1925. Una vera perla per gli appassionati (io purtroppo non posso ritenermi tale e pertanto non ho potuto godere al massimo di questo documento, conoscendo ben pochi dei nomi dei partecipanti e delle scuderie) presenta tutti i partecipanti e i campioni dell'epoca e li segue nella corsa, alternando le immagini delle automobili a quelle delle tribune e degli spettatori, fino alla fine della competizione del cui vincitore, però, non veniamo messi al corrente (per la cronaca Brilli-Peri).
E per noi, ormai abituati alle minutissime telecronache televisive domenicali, è bello per una volta mettersi nei panni di uno spettatore dell'epoca e rimanere affascinati dallo scorrere rapido dei fotogrammi e delle auto sulla pista.
I due film, già deliziosi di per sè, sono resi ancora più gradevoli dall'accompagnamento musicale scritto ed eseguito al pianoforte da Francesca Badalini, ottima musicista già esperta di accompagnamenti musicali ai film muti e prossima a prendere parte come pianista alla prestigiosa rassegna del muto di Pordenone, seguita al flauto traverso da Anna Grazia Anzelmo nel Centauro alato.
Entrambe le pellicole sono dunque accomunate dall'appartenenza al mondo dei motori, dalla velocità, dalla dinamicità, caratteristiche queste ultime da sempre associate all'arte cinematografica che è diventata emblematica di un secolo, il Novecento, animato dai ritmi sostenuti della modernità.
Clima che ben si addice alla location scelta per la proiezione, il Museo della Tecnica Elettrica diretto dal professore Antonio Savini.
Per chi non lo conoscesse -e nemmeno io devo ammetterlo fino a qualche giorno fa ero a conoscenza della sua esistenza e me ne pento- è un museo che ha "l'obbiettivo di presentare il patrimonio storico della tecnica elettrica ed il suo impatto su tutti gli aspetti della vita quotidiana e intende fare cio' in una dimensione internazionale, coprendo l'intero arco di tempo dalle origini ai giorni nostri". Approfitto dell'occasione per ricordare che questa sera in occasione de l'iniziativa "Una notte al museo" sarà possibile visitare il museo e assistere a un concerto alle ore 21:45.
Tornando alla serata cinematografica, ritengo che sia stata un'iniziativa molto piacevole che ha contribuito ad avvicinare gli spettatori -e non solo quelli esperti e appassionati del genere- al cinema muto. Ed è da riconoscere che la città di Pavia, nell'ultimo periodo, si sta muovendo inquesto senso; si ricordi infatti "Cinestesia" una rassegna di film muti accompagnati da colonna sonora dal vivo che riprenderà il 9 di ottobre a Spaziomusica con "Il dottor Mabuse" di F. Lang.
Invito pertanto chi non avesse mai avuto la possibilità di vivere quest'esperienza un po' "fuori dal tempo" ad avvicinarsi ai film muti, sicura che non ve ne pentirete.

Dalla scorsa stagione teatrale pavese...le "Troiane"

2007-09-24T16:34:00.000+02:00

(Per rimpolpare un po' il mio neonato blog riporto una recensione dello spettacolo "Troiane" rappresentato venerdì 17 marzo 2007 al Teatro Fraschini di Pavia)

La giovane regista Serena Sinigaglia mette in scena il coro delle Troiane: madri, mogli, sorelle, figlie dei Greci sconfitti.

Sulla scena spoglia sono presenti pochi oggetti che di volta in volta vengono ad assumere diverse funzioni: i secchi di latta diventano tinozze d’acqua nelle quali lavarsi, tamburi su cui battere il ritmo dei lamenti e delle lotte o bracieri ai quali attizzare incendi; le valigie, che contengono il carico di dolore delle prigioniere unico loro bagaglio di viaggio verso la terra straniera, ora si trasformano in tende, ora in altare, ora nelle mura della città assediata; le giacche sono coperte, giacigli, fagotti da cullare o scudi di eroi.

Le donne vestite di bianco, uniche eccezioni sono Andromaca vestita di scuro ed Elena di rosso, si contrappongono cromaticamente agli uomini che indossano abiti neri.

Le prime umiliate, offese, violentate e derise dai maschi conquistatori che hanno anche il compito di narrare brani tratti dall’Iliade di Omero e inseriti lungo il racconto della tragedia euripidea, attraverso i quali sono richiamate alcune delle più salienti vicende della guerra di Troia come ad esempio l’uccisione e la sepoltura di Ettore.

In primo piano le figure femminili che aspettano di conoscere il loro destino di schiave e che hanno assistito impotenti ad una guerra inutile che non lascerà né vincitori né vinti, scoppiata per via di una donna, Elena, che in provocante abito da sera riesce a raggirare gli uomini con le armi della seduzione.

Ecuba, memore della passata condizione regale e straziata dal dolore, è costretta ad assistere alla morte delle persone a lei più care: il marito Priamo, i figli Ettore e Polissena, il piccolo nipote Astianatte condannato senza colpa. Impotente di fronte alla profanazione della figlia Cassandra, alla propria schiavitù e a quella della nuora Andromaca si dispera sul suolo natio che dovrà abbandonare.

Cassandra sacerdotessa consacrata ad Apollo, spogliata dalle sue sacre bende per essere destinata al letto di Agamennone, nella sua lucida follia predice disgrazie per i Greci.

Andromaca, già distrutta dalla sofferenza per la morte del marito e per il proprio tremendo futuro al fianco di Neottolemo, subisce anche l’inumana decisione del nemico che vuole uccidere suo figlio Astianatte.

Attraverso i corpi che corrono sul palco, saltano, fanno capriole si contorcono e si rotolano nella polvere e nella cenere che è stesa sul palco, arriva forte il senso di disperazione e dolore che nasce come inevitabile conseguenza dell’attività bellica e che pervade il coro delle Troiane. Contribuiscono ad accentuare questo stato di desolazione anche le voci straziate che raggiungono punti di estrema tristezza e commozione nei canti individuali o corali ai quali si unisce il sottofondo delle musiche dalla classica alla rock.

Da questo spettacolo si alza forte il grido no alla guerra che riecheggia anche nel silenzio del palco lasciato vuoto dagli attori che se ne vanno dalla platea, lasciando dietro di sé le mura incendiate di Troia.

I Simpson Il film

2007-09-23T17:30:00.000+02:00

Piacevole sorpresa per me che (orrore!!!) non sono una sfegatata fan dei personaggi creati da Matt Groening: il film I Simpson di David Silverman mi ha positivamente colpita, grazie quindi a chi ha insistito per portarmi al cinema sabato sera per assistere a questa nuova avventura che vede protagonista la famiglia cartoon più famosa d’America.

Fin dai titoli di testa, nei quali a essere preso di mira è il mitico logo della Twenty Century Fox, si è proiettati nel dissacrante e provocatorio mondo di questo strampalato e assortito nucleo familiare che si trova alle prese con i tanto attuali problemi ambientali.

Il capofamiglia Homer si rende responsabile di un annunciato disastro ecologico, scaricando nel lago di Springfield -nonostante i divieti- una cisterna piena degli escrementi del suo nuovo animale domestico: un esilarante spider pork, salvato dalla macellazione e dal suo destino di “riempitore” di panini in un fast food.

Essendo diventata Springfield la città più inquinata degli Stati Uniti, l’EPA (Ente Protezione Ambiente), guidata da un “protettore dell’ambiente” un po’ folle, viene incaricata di risolvere il problema dal presidente degli Usa: uno Schwarzenegger che rimpiange i bei tempi in cui interpretava commedie per famiglie e recitava col divertente amico Denny De Vito.

Dopo una casuale scelta di buste -come nei migliori quiz che si rispettino- ha la meglio la soluzione di chiudere la città sotto un enorme calotta a prova di evasione.

È a questo punto che, scoperto il colpevole di tale situazione, l’intera comunità si reca, armata di fiaccole, alla casa dei Simpson per punire il responsabile della propria reclusione forzata. Solo grazie alla piccola Maggie, “il più bel piccolo incidente che mi sia capitato” -come la definirà “affettuosamente” Homer- l’intera famiglia riesce a salvarsi fuggendo dalla calotta attraverso un buco nel giardino.

Inizia così un viaggio da ricercati verso un sognato paradiso: l’Alaska, paese dalla natura incontaminata o quasi…., dove la famiglia Simpson ritroverà un po’ di serenità. Almeno fino a quando non scoprirà da un documentario che il governo, ancora una volta manipolato dal capo dell’EPA, ha deciso di eliminare ogni traccia di Springfield dalla terra (e dai navigatori satellitari).

Il disastro provocato da Homer e le sue conseguenze non sono solo di natura ecologica e comunitaria, ma anche affettiva e personale: la sua superficialità metterà, infatti, a dura prova l’unità della sua famiglia. La delusione provocata nella figlia ambientalista Lisa (che nel film è anche protagonista di una buffa ma tenerissima storia d’amore -di quelle che fanno sudare le mani- con un giovane irlandese ricco di qualità e di ideali); il contrastato rapporto col secondogenito Bart che, sentendosi trascurato e deriso dal genitore, invidia il legame padre-figlio dei suoi vicini di casa; l’insofferenza di Marge verso un marito con il quale ha sempre dovuto chiudere un occhio per andare avanti culminano proprio in questo momento della storia nel quale Homer viene abbandonato dai suoi cari perché si rifiuta di tornare a Springfield per salvare la città e i suoi abitanti dalla distruzione.

Homer si ravvederà? Riuscirà a salvare la sua famiglia rinchiusa nuovamente sotto la cupola, dopo che i suoi piani di ribellione sono stati scoperti? Non voglio svelare il finale per non rovinare la suspence a quelli che -ancora pochi credo- non hanno visto il film.

Da cinefila quale sono, poi, non posso non fare riferimento anche alle spassosissime e numerose citazioni cinematografiche che popolano il film, due tra tutte -a mio parere le più azzeccate e divertenti- il richiamo alla scena dell’affondamento del Titanic quando i Green Day si improvvisano violinisti mentre la zattera su cui stanno facendo un concerto affonda, corrosa dagli acidi che inquinano le acque del lago, e l’irriverente rimando a due dei cartoni Disney più amati dai bambini: Cenerentola e Biancaneve, rispettivamente, la cui vestizione e toilette mattutina ad opera degli uccellini e dei topolini e le cui faccende domestiche, coadiuvate dagli animali del bosco, diventano qui una, non molto sexy ma irresistibile, scena di seduzione tra i due coniugi Simpson, finalmente lasciati soli dai figli.

Simpatiche sono anche le trovate meta cinematografiche ( i Simpson come noi sono seduti nella sala di un cinema e assistono alla proiezione di un film, con tanto di popcorn e di inservienti che alla fine passano per pulire i resti degli, a volte un po’ incivili -perdonate la frecciatina-, spettatori) attraverso le quali a essere pungolati siamo noi spettatori, “i cretini che paghiamo per una cosa che tranquillamente potremmo vedere in tv” [Homer], a cui viene ricordato, attraverso delle scritte in sovraimpressione, di non lasciarci andare ad “esternazioni corporee” perché non siamo nel nostro salotto.

Tra irriverenti critiche alla società contemporanea e ai suoi luoghi comuni; riflessioni, a volte ciniche ma anche sentite e sincere, sui rapporti umani e familiari; commenti non proprio benevoli sulla politica e i centri del potere, I Simpson riesce a mantenere viva l’attenzione, a non stancare e a farci ridere -e anche riflettere, senza troppe pretese- dal primo all’ultimo minuto, titoli di coda compresi accompagnati da un ironico inno di Springfield “rubato ai francesi che nella vita poche cose sanno fare come l’amore e il soufflé” e che potremmo meglio apprezzare se nelle multisale non accendessero le luci alla comparsa del primo credit, ma questo è un altro discorso….

A chi di coloro che non ha ancora visto il film pensi che ho rivelato troppe delle idee originali presenti nel film, rovinando così il piacere della scoperta, non rimane che andare al cinema per ricredersi e capire che ciò che ho scritto è solo una piccola parte di quello che la mente degli autori e sceneggiatori hanno saputo partorire.

Da assoluta profana di questa serie, quindi, posso esprimere un giudizio positivo su questo film che, anche se forse non sempre ha il solito mordente delle puntate tv -almeno così dicono alcune critiche "autorevoli" e appasionati certo più competenti di me in materia-, è riuscito ad aggiungere ai milioni di fan della bizzarra famiglia un'ammiratrice in più.

VOTO:/ 5